PROYECTORAYUELA

"Ningún artista combinó nunca tan delicada habilidad con tanta energía y poder" (Diccionario biográfico Chambers)

 "Su tratamiento de la humanidad rebosa de simpatía" (J. O. Thorne)

 Rembrandt Harmenszoon van Rijn, pintor barroco holandés, nace en Leiden el 15 de julio de 1606.

 En 1621 abandona los estudios universitarios e inicia su aprendizaje artístico en su ciudad natal con un oscuro pintor llamado Jacob van Swanenburgh, en cuyo taller estuvo tres años.Entre 1624 y 1625 continuó su aprendizaje en Amsterdam, esta vez en el taller de un pintor de mayor relieve, Pieter Lastman, de quien toma la influencia de Caravaggio

Luego se hace notable por sus retratos en los que el pintor pone toda su atención, captando el alma del retratado y los preciosistas detalles de los vestidos, aumentando así su fama y su fortuna. En 1632 realiza una de sus obras más famosas, "La lección de anatomía del doctor Tulp", que tuvo enorme éxito.

 La década de 1630 será de notable éxito para el pintor, con obras de temática religiosa como "El sacrificio de Isaac" o "El banquete nupcial de Sansón", excelentes paisajes o magníficos autorretratos. Sin embargo, 1642 no será de buen recuerdo para Rembrandt ya que muere Saskia - algunos meses después de dar a luz al único hijo que les sobrevive, Titus - y su cuadro "La ronda de noche" recibe una gélida acogida por parte de la crítica. A partir de ese momento, la ordenada y exitosa vida de Rembrandt sufre duros embates tanto económicos como sentimentales.

 A pesar de estos lamentables episodios, el arte de Rembrandt avanza, abandona la exuberancia barroca pero se enriquece con un colorido vibrante y un enorme interés por el detalle, creando nuevas iconografías adecuadas a la mentalidad protestante como "La cena de Emaús" o "Cristo y la adúltera". Los encargos vuelven a aparecer en la década de 1660, destacando "La lección de anatomía del doctor Deyman", "Los síndicos del gremio de los pañeros" o "La novia judía". En todos ellos encontramos esa "manera áspera" que caracteriza sus últimas décadas, en la que la pincelada larga, empastada, será la principal protagonista, sin menospreciar el papel de la luz dorada, con la que consigue crear efectos atmosféricos de calidad insuperable, tomando como referencias a la Escuela veneciana y Tiziano.

 Rembrandt fallece en Amsterdam el 4 de octubre de 1669 a la edad de 63 años, siendo uno de los más innovadores y excepcionales artistas de todos los tiempos.

http://es.wikipedia.org/wiki/Rembrandt

http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/3104.htm

Para apreciar la pintura de Rembrandt, ir a:

http://pintura.aut.org/BU04?Autnum=11.151

Etiquetas: Rembrandt, esfumato, iconografía

Guadalupe Aparicio

Una de sus obras: "Piedra sobre piedra"

Un artista netamente americano

Guadalupe Aparicio, proviene de una familia netamente americana, arraigada en Bolivia desde la época de la colonia. Sus padres eran oriundos de Tarija. Desde allí la familia se desplazo al noroeste argentino, al pueblo de Tilcara, en la provincia de Jujuy, donde nace el pintor en 1934.Realizo sus estudios de artes plásticas en la Universidad Nacional de Tucumán. Vivió en la provincia de Santiago del Estero (1971-1980), luego en Buenos Aires, donde crea un importante Centro Cultural (“Centro Cultural de la Ribera”) Actualmente reside en la provincia de Jujuy.

http://www.michiaparicio.com.ar/

“Son dos extraños fósiles,/emisarios sombríos de una fauna sepultada en un bosque de carbón,/que vienen a reclamar un óbolo de luz para sus muertos?//¿Son ídolos de piedra,/cascotes desprendidos del obraje de los más tristes sueños?/¿O son moldes de hierro/para fraguar los pasos a imagen del martirio y a semejanza de la penitencia?//Son tus viejos botines, infortunado Vincent,/hechos a la medida de tu abismo interior, como las ortopedias del exilio;/dos lonjas de tormento curtidas por el betún de la pobreza,/embalsamadas por lloviznas agrias,/con unos lazos sueltos que solamente trenzan el desamparo con la soledad,/pero con duros contrafuertes para que sea exiguo el juego del destino,/para que te acorrale contra el muro la ronda de los cuervos.//(…) Botines de trinchera, inermes en la batalla del vendaval y el alma:/…han caído en la trampa de tu hoguera oculta bajo el incendio de los campos/sin encontrar jamás una salida,/por más que pisoteen esas flores fanáticas que zumban como abejorros amarillos…”

Lo que Olga Orozco muestra de Van Gogh es cómo éste transformó cada objeto que pintaba y lo adaptó “a la medida” de su “abismo interior”.

EMILIO TURPO CAHUI

Nacido en el departamento de Puno.                                
Egresado de la Escuela Nacional de                       
Bellas Artes del Perú en 1988, en el Primer Puesto (Dibujo).                               
Sus obras se encuentran en poder de principales coleccionistas a nivel nacional e internacional.
Cuenta con 2 bibliografías PINTURA Y PINTORES DEL PERU y otro. AND PAINTERS         
En 1996 fue declarado el vendedor del año por la Galería de Arte 715 (Carta de Felicitación).                                                                      
Cuenta con 16 exposiciones individuales y numerosas exposiciones colectivas.                      
En la actualidad sigue con su producción artística.

http://www.emilioturpo.com/

Julio Romero de Torres pintó con preferencia figuras femeninas.  Aquellas mujeres morenas de  misteriosa y profunda mirada  produjeron un cierto escándalo en su época, debido a la pretendida carga erótica que ofrecía su semidesnudez. 

Julio Romero de Torres (9 de noviembre de 1874 - † 10 de mayo de 1930) fue un pintor español. Nació y murió en Córdoba, donde pasó gran parte de su vida.

Para conocer más acerca de este pintor:

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/romero_de_torres.htm

Imagen: "La chiquita piconera" (Su última obra)

Para ver toda su obra visitar:

http://pintura.aut.org/BIJ04?Autnum=11633&Empnum=0$Inicio=46

ALEJANDRO OBREGON

(Barcelona, España, 1920 - Cartagena, Colombia, 1992) Pintor colombiano. Su familia se trasladó definitivamente a Barranquilla cuando el futuro pintor había cumplido dieciséis años. Con toda seguridad, el cambio de cultura, de ciudad y de ambiente impresionaron al adolescente, en especial el exuberante trópico, con su luz radiante y aire de libertad. Aprendió entonces a comer pescado con ñame, sancocho de sábalo, a fumar Pielroja (cigarrillo que fumó hasta su muerte) y a tomar ron blanco.

Su Obra:

Desde hace ya más de tres décadas, Alejandro Obregón es, por derecho propio, referencia obligada en el universo del arte latinoamericano. Personalidad íntegra de recio y vigoroso temperamento, anticonvencional e individualista a ultranza, supo labrarse un sendero muy suyo y una trayectoria original en el campo de la creación plástica. Autodidacta intuitivo, huérfano de verdadera escuela y maestro, se constituyó pronto —por extraña paradoja— en guía y mentor de numerosas generaciones de artistas en su país. Sus innovadores aportes en el lenguaje pictórico provocaron, en el anquilosado universo cultural colombiano, una auténtica subversión de los valores estéticos, al tiempo que produjeron el impulso modélico necesario para que otros se aventurasen en experiencias desconocidas y en derroteros sin desbrozar. Con sus novedosas propuestas esté-ticas, estilísticas y conceptuales, Obregón llegó —contra su voluntad y para su consternación— a generar incluso una larga cohorte de epígonos e imitadores.

Interesa destacar que Obregón conquistó su lenguaje singular con recursos puramente pictóricos, sin subterfugios ni interferencias de otros materiales, técnicas o géneros: simples pinceles y pigmentos convencionales fueron suficientes para un talento natural tan vivaz e intuitivo como el suyo.

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/o/obregon.htm

Imagen: Agua Calida del maestro Obregon (Bellísimo)

El maestro (1921-2002)
 
Nacido en Tolú en 1921, a los ochenta y un años la edad en que muere, Héctor Rojas Herazo era uno de los

clásicos de la cultura colombiana y uno de los más grandes escritores de América Latina. Era, también uno de

los creadores artísticos más valorados por las generaciones del país, y su obra era y es objeto de decenas de

artículos y comentarios tanto en publicaciones nacionales como en centros académicos internacionales. Su

obra narrativa que articula conexiones esenciales con su poesía y su periodismo - se inicia a principios de los

años sesenta con "Respirando el verano", su primera novela.
Cuando Hector Rojas Herazo, pintaba, siempre lograba la alegría. Cantaba, oía música y era feliz creando su

mítografia, que eran las vendedoras y decía que eran las "reinas de una altísima comarca"; los peces; los

gaiteros; los gallos y todo lo que había detectado en su niñez. Por eso decía muchas veces que él quería

detener el recuerdo".
Seguía la máxima de Leonardo Da Vincci: "Sabiéndote efímero trabaja como si fueras a ser eterno; y en cuanto

a la perfección no te preocupes, pues ésa no la alcanzaras nunca".
Su pintura es personalísima pues creó un grupo de personajes que él admiraba y con los que siempre se

identificó formando una vasta y enérgica pintura.
El no pintaba para ser famoso, él pintaba para realzar los recuerdos, que al quedar plasmados en un lienzo casi

se vuelven los recuerdos de cualquier ser humano que sé acerca a mirar el mundo a través de la pintura. De él

habló, el crítico de arte y escritor español Félix Grande y dijo en su ensayo sobre Rojas Herazo: "Es la materia

pariendo a la energía; cuando uno se acerca a una vendedora o a un gallo parece que va a recibir un lametazo

de sangre debido a la intensidad con que están pintado estos cuadros".
Fue muy reconocido y apreciado en España. Los críticos como el gran poeta Luis Rosales gran amigo de

Federico García Lorca quiso mucho a Rojas Herazo fueron grandes amigos y escribió acerca de mi padre " la

pintura de Rojas Herazo es una pintura enraizada y caliente; dura mas no agresiva, con una luz de plano único

que baña los objetos y en el tratamiento de la figura humana le da carácter alucinatorio".
Insistía en sus figuras por que pretendía una depuración de los temas tratados. Algunos se repiten pero siguen

siendo diferentes; hay otros nuevos que se instalan por la insistencia del artesano. Él decía, que era un humilde

artesano, que quien le enseñaba día a día era la materia. ''Apenas se sabe algo de algo se acaba el asombro''.
Pintar para él fue algo "biológico como respirar o caminar" esto lo decía cuando dibujaba los burritos que

pastaban en la plaza del pueblo, el campanario, los barcos y los pájaros o se entretenía tratando de reproducir

fielmente algunas estampas de la historia sagrada.

                                                                                                      PATRICIA ROJAS BARBOZA. (Su Hija)

Comentarios de Mario Escobar Velásquez

Para el maestro Rojas Herazo, tanto la pintura como la literatura son mucho taller, mucha física. "Le agrada el

taller porque da humildad y de la buena. Humildad para conocer sus propios límites y saber cuando algo va bien

encaminado.
Siempre conoció su propio ritmo y su propia tarea, para lo cual proponía un gran comienzo": "No hay maestro

más fiel y más afectivo que un aprendiz entusiasta".
Decía que esto era una lección de humildad, porque Leonardo era un genio humilde y la humildad de Rojas

Herazo sale a flote cuando al referirse a su estudio aclaró: "No es un estudio. Solo un cuartico donde pinto y

escribo".
Respecto a esta simbiosis artística escribir-pintar-escribir, Rojas Herazo confesó: "Lo necesito de manera

biológica y fatalmente. Me he preguntado en profundidad, si yo podría vivir sin esto, sin alimentarme de ambas

cosas, y siempre me he respondido negativamente".

Imagen: "Mielera en el crepúsculo" H.R.Herazo

Estatua en bronce de 1,98 m x 1,29 m x 1,34 m, existen, al menos, 20 copias autorizadas por el autor. Localización  actual, Museu Rodin de París. El Pensador se ha convertido en un símbolo de la modernidad que expresa la condición humana y encarna la complejidad e intensidad de sentimientos y emociones de la persona.
 

Más de August Rodin: 

www.liceus.com/cgi-bin/gba/pensador.asp

De   TOULOUSE- LAUTREC

Pintura: "Toillete"

Biografía:

Pintor neoimpresionista francés, fue uno de los artistas especializado en representar la temática de la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX. Nacido en  una de las familias aristocráticas más importantes de Francia. Siendo adolescente se rompió las dos piernas y, a causa de una enfermedad congénita que le provocaba falta de calcio, durante el resto de su vida conservó un torso normal pero las piernas no le crecieron. . Toulouse Lautrec frecuentaba cabarets del distrito parisiense de Montmartre, como el Moulin Rouge, y atrajo con su ingenio y locuacidad a un nutrido grupo de artistas e intelectuales entre los que se encontraban el escritor irlandés Oscar Wilde, el pintor holandés Vincent van Gogh y el cantante francés Yvette Guilbert. Visitó también con asiduidad el teatro, el circo y los burdeles. Los recuerdos e impresiones que sacaba de estos lugares y de sus personajes más destacados los plasmó con gran maestría en retratos y bocetos de sorprendente fuerza y originalidad. Podemos citar como ejemplo: La Goulue entrando en el Moulin Rouge (1892, Museo Toulouse-Lautrec, Albi), Jane Avril entrando en el Moulin Rouge (1892, Courtland Gallery, Londres) y En el salón de la calle des Moulins (1894, Museo Toulouse-Lautrec). Su vida fué desordenada, su alcoholismo y un ataque de parálisis le llevaron a abandonar su estudio para refugiarse con su madre en el castillo de Malromé, propiedad de la familia, donde falleció. Toulouse-Lautrec fue un artista muy prolífico. Realizó gran número de óleos, dibujos, aguafuertes, litografías y pósters o carteles, así como también ilustraciones para varios periódicos de entonces. Muchas de sus obras se conservan en el Museo Toulouse-Lautrec en Albi. A su peculiar y personal estilo incorporó elementos de otros artistas de la época, especialmente de los pintores franceses Edgar Degas y Paul Gauguin. El arte japonés, de moda en París por aquellos años, ejerció también su influencia en Toulouse-Lautrec, con sus contornos fuertemente marcados, su composición asimétrica y la utilización de manchas de colores planos.  

De  PABLO NERUDA

SIEMPRE

Antes de mí
no tengo celos.
.
Ven con un hombre
a la espalda,
ven con cien hombres en tu cabellera,
ven con mil hombres entre tu pecho
y tus pies,
ven como un río
lleno de ahogados
que encuentra el mar furioso,
la espuma eterna, el tiempo!
"Tráelos todos
adonde yo te espero:
siempre estaremos solos,
siempre estaremos tú y yo
solos sobre la tierra
para comenzar la vida!.

Etiquetas: Noche, amoríos, Toulouse, Neruda

Estigmatización  de San Francisco (Giotto)

El  naturismo de Giotto en el fresco "La Estigmatización de San Francisco" (Louvre, Paris)

supone una ruptura con la afectación del estilo gótico y sienta las bases de la pintura

renacentista.

Por contraste, unos cien años antes que los hermanos Limbourg, el pintor italiano Giotto

había conferido a la figura humana un tamaño y dignidad monumentales, haciéndola

protagonista de la historia. Con su obra revolucionó la pintura italiana, y sus descubrimientos,

junto con los de otros artistas, terminaron por influir en la pintura del norte. En la capilla de la

Arena, en Padua, se conservan los soberbios frescos pintados por Giotto, entre 1305 y 1306,

sobre la vida de Jesús y de la Virgen. El artista pintó también retablos de madera de gran formato,

como otros muchos pintores del fin de la época medieval.

Tal vez Sigmund Freud nunca imaginó que toda su teoría sobre el subconciente y los sueños pudiera ser llevada al mundo de la plástica. Y, ante todo, de una manera colorida, vistosa y extravagante como lo hizo Salvador Dalí. Dalí, quien hizo de su bigote su propio icono, logró –después de trasegar por diferentes vertiente del arte como el naturalismo, el cubismo y el futurismo– afirmarse quizás como el más notable representante del surrealismo, así los gestores de este movimiento hayan tildado alguna vez sus técnicas de ultrarretrógradas y académicas.

No cabe duda, sin embargo, que Dalí es un fiel representante del movimiento surrealista tal como lo definió André Breton en el Primer Manifiesto Surrealista de 1924: “Automatismo psíquico puro, por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón.

Usando una técnica que él mismo denominó “crítico-paranoica”, Salvador Dalí empleó estéticamente las experiencias visionarias, las reinterpretaciones de la memoria y las deformaciones psicológicas y hasta patológicas para trasladarlas a la pintura y la escultura y darles un nuevo sentido. Y, según expresan muchos comentaristas “ha sido el único artista que ha sabido captar, desde los complejos freudianos hasta la fisión de la materia, la trascendente aventura de nuestro mundo atormentado.“

Salvador Dalí nació en suelo español en Figueras (Gerona) en mayo de 1904 y allí mismo pasó sus últimos días hasta su muerte en enero de 1989, después de haber residido por mucho tiempo en París y en Nueva York. Fue un pintor, escultor, diseñador, escritor y cineasta.

Entre sus obras màs notables, destacan: El hombre invisible (1929), La persistencia de la memoria (1931), La tentación de San Antonio1946), Leda atómica (1949), Descubrimiento de América (1955), La Última Cena (1955) (

Fuentes: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/dali.htm

http://www.moma.org/collection/browseresults.php?objectid=79018

http://es.wikipedia.org/wiki/SalvadorDal%C3%AD

Imagen: Persistencia de la memoria. Museo de Nueva York.

Etiquetas: Dalí, Breton, surrealismo, subconciente, sueño, persistencia, de, la, memoria

Fuente de vida

de noches sin mañanas

yo puedo llegar al sentidor

donde he visto súbitamente

la imagen tan amada

que llevaba grabada

en el fondo de mis entrañas.

.

Yo sé donde está

el pan de vida

tan blanco es

que cerrando los ojos

lo continuo a ver por transparencia

pan de vida

yo sé donde está el horno

en las llamas del cual

he visto prefigurada

la imagen tan amada

de Gala tan amada

horno que las toténicas guirnaldas

le sirven de adorno.

.

Yo sé donde está en el fondo de la tierra

el bloque de mármol

donde está contenida

la imagen de Gala tan amada.

Cuatro elementos obsesionan mi Gala

aire, agua, fuego y tierra,

que corresponden a mi Gala

que conocí antes de nacer.

.

¡Aire, aire!, es el que respiro

de noche y de día.

Veo sin cesar la imagen de mi Gala tan amada

el recuerdo de mi Gala tan amada

donde respiro sin cesar

de noche y de día

¡El aire, el aire!

de mi gala tan amada.

.

En el fondo sin mañanas

el agua se vierte sin fin

en el sentido del jardín

donde he visto detalladamente

el rostro de mi Gala

tan poco amada.

Salvador Dalí

 Jeroglificos (Año 2000)

Alberto Nuño:Pintor y Escultor Colombiano

En su arte podemos apreciar la cultura precolombina, expresada simbólicamente, su paleta es intensa consiguiendo de ese modo una riqueza profunda en su obra.

Son dignos de mencionar también: Germán Tesorolo, un exquisito pintor, que expresa su arte con figuras etéreas, como queriendo plasmar la esencia en vez de la apariencia...Y por último, Camilo Medina, paisajista de exquisito pincel y paleta, que plasma la naturaleza en sus cuadros, de una manera muy especial.

Para más información visitar:

http://encolombia.com/cultura/galeriadearte.htm

Débora Arango

(1907-2005)

Pintora expresionista colombiana , hija de Castor Maria Dias y de Elvira Pérez.

Sus estudios, fueron todos relacionados a las artes plásticas.Tanto en institutos de Medellin, como en la Escuela Nacional de Bellas Artes, también en la Ciudad de Mexico DF y en el Technical College of leading (LOndres).

Esta pintora colombiana, antioqueña, fue transgresora, de hecho, fue la primer mujer de Colombia que se atrevió a pintar desnudos, prostitutas, borrachos, como retratando algunas postales diarias que nadie quiere mirar. También retrato a sus padres, hizo bodegones y otros temas también,poblaron sus pinturas. Fué premiada por su labor, en reiteradas oportunidades...; Mucho se ha escrito y se escribirá de ella..., ella dejó sus obras para que las disfrutemos.

Una de las páginas web: http://es.wikipedia.org/wiki/Dé;;;boraArango

Pintura : Denominada "Autoretrato con mi padre"

Mar, yo soñaba ser como tú eres,

Allá en las tardes que la vida mía

Bajo las horas cálidas se abría...

Ah, yo soñaba ser como tú eres.

Alfonsina Storni

Fragmentos de la poesía "Frente al Mar"

Pintura: Nilca-Tortuguitas-Bs.As.-Argentina

Dibujo inspirado en la poesía de Alfonsina Storni:

"... Mi corazón está tan castigado...

Si un día entre tus brazos se me aquieta,

tú que tienes instinto de poeta,

Ponme sobre las sienes muchas rosas

con tus manos delgadas y nerviosas,

Las sentiré caer como un suspiro...

Etiquetas: Te, estoy, amando...

Claude Monet (1840-1926)

Pintor impresionista, francés, notable paisajista.

Nace en Paris el 14/11/1840, en la Rue Laffitte. Contemporáneo de Cezanne y Renoir, entre otros. Compartieron en la pintura francesa el nacer del impresionismo.

Pierde al padre prematuramente, entonces la hermanastra de aquel, pasa tomar un papel muy importante en su vida artística.

Creció junto al mar, poco dedicado a los estudios, más bien le gustaba vagar contemplando la naturaleza.

Monet comienza su vida artística cultivando la caricatura.En 1855, a los 15 años goza ya de buena reputación como caricaturista en El Havre.

Ese gusto por la libertad y la naturaleza tienen mucho que ver con Eugene Baudin (hermanastra de su padre). Monet primero se mostró contrario a las marinas pero luego ese estilo lo caracterizó.

Luego una nueva tragedia llega a su vida en 1857 muere su madre.

En 1858 participa por primera vez en la Exposition Municipale du Havre, con el cuadro titulado "Vue prisé a Rauelles", fechado en ese mismo año. En 1860 se interesa por conocer el ambiente artístico de Paris.

Se relaciona con Baudin y luego alejandose de la enseñanza oficial, deposita la confianza de su aprendisaje, en Jongkind, quien lo educa en su percepción visual.

Se casa con Camille.

Hace viajes, vive guerras, conflictos políticos...Mucho más se puede escribir de este artista, pero citemos algunas de sus obras:

• Mujeres en el jardín (1867)
• Puente sobre el Sena (1874)
• Crepúsculo sobre el Sena (1880)
• El jardin de Giverny (1900)

...Para terminar este artículo, el 05/12/1926, su vida termina, justamente en Giverny a los 86 años de edad...

EN ESTE ESPACIO...

...Nos vamos a expresar a través de los trazos, pinceladas, colores..., aquellos que no somos portadores de una pluma voladora, escribiente ella, de los más hermosos versos. Más también desde nuestro corazón, como esos poetas, contaremos historias con distintos tintes y sensaciones.

Para dar comienzo al libre albeldrío de nuestros sentimientos, citemos dos Sonetos de la Cantata "A la pintura...", de Rafael Alberti (16/12/1902-28/12/1999), escritor y artista plástico, español, nombrado también como escritor de "la generación del 27".

   "A LA PERSPECTIVA"

A tí, engaño ideal, por quien la vista

anhela hundirse, prolongada en mano,

yendo de lo cercano a lo lejano

del hondo azul al pálido amatista.

A tí, sin fin, profundidad, conquista,

de la espaciada atmósfera en lo plano,

por quien al fondo del balcón cercano

decides que la mar lejana exista.

A tí, aumento, valor de los valores,

vaga disminución de los colores,

música celestial, arquitectura.

Los ámbitos en ti fundan su planta.

La línea con el numero te canta.

A tí, vida y timón de la Pintura.

" AL PINCEL"

A tí, vara de música rectora,

concertante del mar que te abre el lino,

silencioso, empapado peregrino

de la noche, el crepúsculo y la aurora.

A tí, caricia que el color colora,

fino estilete en el operar fino,

escoba barredora del camino,

que te ensancha, te oprime y te aminora.

A tí, espiga en invierno y en verano,

cabeceante al soplo de la mano,

brasa de sombra o yerta quemadura.

La obstinación en ti se resplandece.

Tu vida es tallo que sin tierra crece.

A tí, esbelto albañil de la Pintura.

Rafael Alberti