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PROYECTORAYUELA

PINTURA, DIBUJOS

La Gioconda

La Gioconda

El Museo del Prado presentó ayer la restauración de la copia de la Gioconda que conserva en sus colecciones. Se trata de la versión más importante del retrato de Leonardo da Vinci y es obra de alguno de sus discípulos. http://www.artelista.com/ articulos/2012/02/8802/la-gioconda-del-museo-del-prado.html

El historiador italiano desvela la verdadera historia de La Gioconda, el retrato más famoso del mundo.

“Este libro lo llevo dentro de mí desde hace muchos años, desde el momento en que leí, en 1994, el Kunststück que Frank Zöllner dedicó al celebre cuadro de Leonardo. Sus conclusiones, que son las generalmente aceptada, aunque con alguna excepción muy rara, no me convencieron en absoluto, y por varias razones.”

Empezando por la conclusión del autor del libro, podemos llegar a comprender lo complejo de la trama histórica, investigada con rigor intelectual y científico, que permite a Roberto Zapperi afirmar sin lugar a duda que el comitente del cuadro de Leonardo da Vinci fue Giuliano de Medici. Giuliano encargó al artista un retrato imaginario de su amante fallecida, desmontando la tesis que indicaba Lisa Gherardini, mujer del mercader florentino Francesco del Giocondo, como la protagonista del cuadro.

Se trata en realidad, según el historiador, de la difunta Pacifica Brandani, madre del hijo natural de Giuliano de Medici, Ippolito, a quien quiso regalar una efigie de su madre, que nunca había conocido.


En abril de 1515 Giuliano de Medici encargó a Leonardo da Vinci el retrato de la dama de Urbino,

la Gioconda, según la tradición florentina de los retratos de los parientes difuntos, una practica seguida también por los Medici. Pero como no tenía ninguna imagen de ella dejó libre a Leonardo da Vinci de dibujar su fisionomía, sobre la base de su descripción sumaria y aproximada.

El origen del retrato más famoso de la historia

Giuliano de Medici conoció Pacifica Brandani durante su estancia en Urbino y cuando en 1511 se marchó de la localidad estaba convencido que el niño que la mujer esperaba no era el suyo. Al dar a luz la dama de Urbino murió y el bebé fue primero alojado en el Orfanato, administrado por la cofradía de Santa Maria del Pian di Mercato y , finalmente, confiado a la familia de Bartolomeo di Giorgio de Monteguiduccio, una localidad vecina a Urbino

 

Sin embargo, pocos meses después Giuliano se presentó para reconocer a la criatura como hijo natural y eligió para él el nombre de Ippolito, respetando por un lado la tradición de los Medici de elegir para los hijos naturales nombres extraños a la tradición familiar y por otro lado, apuntó hacia aquella tradición mitológica que tanto apreciaba y que le hubiera permitido declarar su amor hacia la desaparecida Pacifica Brandani, aludiendo al mito de Teseo y de su hijo Ippolito.

Mona Lisa, adiós

Giuliano de Medici, el mecenas de la Gioconda murió en 1516 y el retrato nunca fue entregado a su hijo Ippolito. El cuadro quedó en manos de Leonardo da Vinci que se lo llevó a Francia y lo terminó de su propia invención. Allí, en París, La Gioconda, retrato imaginario de mujer, según Zapperi, quedó hasta hoy, donde se puede contemplar en el Museo del Louvre.

El nombre del cuadro Gioconda, es decir que da alegría, vivifica y reconforta, se debe a la sonrisa de la mujer ideal pintada por Leonardo. Según Zapperi de esto se trata, de una mujer ideal pintada por el artista que comprendió lo que Giuliano de Medici deseaba y dedicó su retrato al tema de la maternidad.

Roberto Zapperi, el autor del libro

Roberto Zapperi es un historiador italiano que ha dedicado sendas páginas a estudios monográficos sobre grandes artistas italianos del Renacimiento y del Barroco, como Tiziano, los Carracci o a personajes del calibre de Goethe. Sus estudios siempre rigurosos han puesto en muchos casos en tela de juicio los conocimientos conformistas de las academias culturales. En este sentido no es un caso que su libro sobre la “Gioconda” todavía no esté publicado en italiano.

El libro “Adiós, Mona Lisa”, publicado en lengua española en 2010 por Katz difusión, se convierte ahora en una obra de referencia obligada para todos los que quieran profundizar el entramado histórico de La Gioconda, el cuadro más famoso del mundo y de su “prima” La Gioconda del Prado recién restaurada en la pinacoteca madrileña.


http://sabina-chiara-steri.suite101.net/adios-mona-lisa-un-libro-de-roberto-zapperi-a76363

Alberto Burri, arte abstracto

Alberto Burri, arte abstracto

http://www.google.com.ar/search?q=alberto+burri&hl=es&rlz=1T4GGLS_esAR463AR463&prmd=imvnsob&tbm=isch&tbo=u&source=univ&sa=X&ei=HmtET4-XEdHiggeu56ChBA&ved=0CDYQsAQ&biw=1280&bih=519

Alberto Burri nació en Città di Castello, dentro de la provincia de Perugia (Umbría), en 1915. Entre 1934 y 1939 estudió medicina, obteniendo la titulación en 1940 de la Universidad de Perugia y fue médico militar durante cuatro años en la Segunda guerra mundial. Después de que su unidad fuera capturada en el Norte de África, fue internado en un campo de prisioneros en Hereford, Texas en 1944, donde comenzó a pintar. Después de su liberación en 1946, Burri se trasladó a Roma y se dedicó en exclusiva a la pintura; su primera exposición individual tuvo lugar en la Galería La Margherita en 1947. Después expuso en la Galería Malborough de Nueva York y en la galería de France de París.

Alberto Burri, a la derecha

En 1951, junto con otros artistas como Giuseppe Capogrossi o Ettore Colla fundó en Roma el grupo «Origen», en cuyas actividades participó. Marchó a Estados Unidos, donde impartió clases de arte desde 1953 hasta 1960. Participó en documenta 2, 3 y 7 de Kassel. Volvió a trabajar en Roma a partir de 1960. Su primera exposición retrospectiva se celebró en la Bienal de Venecia de 1960; en 1972 se celebraron retrospectivas en Turín y París.

Burri recibió la Orden del mérito italiano en 1994. Città di Castello lo recuerda con un gran museo permanente de sus obras.

http://es.wikipedia.org/wiki/Alberto_Burri

Vidrios

Vidrios

Maria de la Encarnacion Perez Barrientos

http://www.artelista.com/obra/3114751459107034-vidrios.html

Pintores impresionistas

Pintores impresionistas

Charles Malfroy

Charles Malfroy es un pintor francés, nacido a Lyon en 1862 y muerto en 1918.

Su obra

Charles Malfroy se sitúa en la raza impresionista-expresionista de un Juan-Bautista Aceituna. Atraído por la luz de los puertos mediterráneos, sobresalió en vistas de Costa Azul y de Bouches-du-Rhone, en particular del puerto de Martigues. Tiene también pintados algunos cuadros de Venecia.

Demuestra una gran virtuosidad en los efectos atmosféricos con un feliz matrimonio de los tonos y de grandes calidades plásticas.

Sus obras y su cuota

  • Barcos en un puerto mediterráneo, aceite sobre tela, 49,8x91,4 cm
  • Canon en Venecia, aceite sobre tela, 98x146 cm
  • Una Esquina del Puerto, aceite sobre tela, 65x92Constantinopla, aguada en grisalla, 47x81 cm, numerada 3 200 € en marzo de 2004
  • Lugar en Provence, aceite sobre el panel, 32,5x41 cm, La gama del Lecques en la Variedad, aceite sobre tela, 41x66 cm

 

http://www.multilingualarchive.com/ma/frwiki/es/Charles_Malfroy

http://www.google.com.ar/search?hl=es&rlz=1T4GGLS_esAR463AR463&q=charles+malfroy+obras&um=1&ie=UTF-8&tbm=isch&source=og&sa=N&tab=wi&ei=9gkRT9CmB4PHtgeE3amqBA&biw=1280&bih=519&sei=-AkRT-WuNZTatgfXstGBAg

Pintura Abstracta

Pintura Abstracta

La serie se acerca a la joya de los conflictos entre la belleza de las piedras preciosas y el costo en que se extraen - ambientales y humanos.  Vivimos en un mundo en un tiempo, en nuestro propio placer y la necesidad de lujo y belleza, darle prioridad sobre los derechos y necesidades de los demás.  En un clima político de la arrogancia, la ignorancia y la codicia a costa de prácticamente todo el mundo, pero el más rico y poderoso, el papel del arte una vez más ha adquirido una importancia radical.  Los artistas deben ser firmes y dar a la sociedad un espejo para reflejar que es oscura obsesión con el poder, el poder y el patriotismo equivocado.

Con esta serie espero que para provocar la idea de que la belleza pura no tiene ningún valor. La belleza no es sólo algo que usted puede comprar, tiene un costo que no es monetario y que incluso los más ricos no pueden pagar. 
Esta serie pide al espectador que es no comprar piedras preciosas, cuando se extraen a costa del medio ambiente y los trabajadores y los residentes locales.  Proponiendo en su lugar para tomar una decisión inteligente e informada y para animar a los consumidores y la industria para encontrar métodos más adecuados de la minería.

http://translate.google.com.ar/translate?hl=es&langpair=en%7Ces&u=http://www.annestahl.com/

Tapices

Tapices

El tapiz (del francés, tapis) es una obra de tejido tradicionalmente hecha a mano en la que se producen figuras semejantes a las de un cuadro utilizando hilos de color.

Desde su origen remoto servían para abrigar las paredes en tiempo frío, evitando la radiación fría (mejor dicho, la absorción de la radiación infrarroja emitida por el cuerpo humano, que enfría la piel) y, por lo tanto dar sensación de calor en las estancias. Así pues, lo más probable es que los primitivos tapices fueran simplemente un paño grueso, colgado de las paredes o extendido en el suelo. Con el tiempo, fueron convirtiéndose en objetos suntuarios, con decoración, y en auténticas obras de arte.

http://es.wikipedia.org/wiki/Tapiz

http://www.puebloindio.com.ar/tapices.html

http://www.welcomeargentina.com/elcalafate/recuerdos-calafate.html

Pintor cubano Denis Nuñez Rodriguez

Pintor cubano Denis Nuñez Rodriguez

Acercarnos a la obra del Pintor Denis Nuñez constituye de inicio un juego de efectos , la misma sensación que nos atrapa al abrir de golpe la única ventana de una somnolienta habitación hacia la claridad del día; una figuración realista que atrapa al espectador, virtuosismo técnico y una esmerada factura son las primeras luces que cuestionan la ingenuidad del espectador, pero cuidado, al acomodarse nuestras pupilas estaremos en condiciones de ver en profundidad el valor sicológico de un lenguaje donde poco o nada es gratuito.

...Seguir leyendo en :

http://denispintor.blogspot.com/2009/02/arbol-serpiente-y-mujer-oleo-sobre.html

http://www.google.com.ar/search?tbm=isch&hl=es&source=hp&biw=1280&bih=574&q=denis+nu%C3%B1ez+rodriguez&gbv=2&oq=denis+nu%C3%B1ez+ro&aq=1&aqi=g1&aql=&gs_sm=c&gs_upl=2018l24412l0l26670l19l19l1l5l5l1l360l2714l1.4.3.4l13l0

Dibujo contemporáneo

Caminando el viejo camino del dibujo con zapatos nuevos

 

Por Sol Astrid Giraldo
Una de las tendencias más claras del arte contemporáneo ha sido su renuncia al objeto por privilegiar el proceso del cual surge el hecho artístico. Es un terreno donde importan más los procesos formativos y de constitución que la obra terminada, donde se subraya el polo mental, donde como ha dicho Duchamp, el arte se concibe no tanto como una cuestión de morfología como de función, no tanto de apariencia como de operación mental, donde lo que interesan son los proyectos, los procesos, las relaciones, los juegos mentales, las asociaciones, las comparaciones, donde se desplaza el énfasis sobre el objeto a favor de la concepción, donde la ejecución es irrelevante.

 

Este cambio de énfasis del polo material al mental ha tenido como una de sus principales damnificadas a la pintura, cada vez menos presente en la escena actual. Sin embargo, mientras la pintura más se apaga, la sensibilidad contemporánea ha presentado una vigorosa reconexión con el dibujo. No se trata sólo del dibujo expandido, ese que ha buscado salirse de los soportes y materiales tradicionales para llegar al diseño, la arquitectura, los comics, la ilustración, el graffitti, la pintura sobre el cuerpo, el computador, el internet; sino del dibujo esencial, el del lápiz sobre el papel que hoy después de 500 años se está practicando vigorosamente, sin prejuicios ni pudores de anacronismo, como si recién se hubiera descubierto.

Seguir el enlace para leer mas:

http://www.m3lab.info/portal/?q=node/2928

 

Pinturas

Pinturas

Ricardo G. Silveira

http://gbca2.tripod.com/rs/

Por qué pinto?

Por qué pinto?

Realizo las obras de arte porque a través de ellas expreso la pasión y el deseo que volcados en el lienzo me permiten una conexión profunda con mis sentimientos, y la sensación de lograr atrapar en un instante algo que quedara por siempre plasmado a través de un color, una forma, una mancha.

http://www.ana-cabrera.com/

¿Y si La Gioconda fuera un ragazzo?

¿Y si La Gioconda fuera un ragazzo?

Alicia de Arteaga |

 

Una escalada mediática dio cuenta en las últimas semanas de otra de las intrigas que rodean al cuadro de la sonrisa enigmática, la pintura más importante y conocida de las colecciones del Museo del Louvre. ¿Cuál fue el destino de los restos de la modelo de La Gioconda ? ¿Dónde está la tumba de la musa inspiradora?

Mientras los investigadores y el Comité Nacional para la Valorización de los Bienes Culturales, Históricos y Ambientales siguen los rastros de los restos, se abre un nuevo capítulo en torno a la identidad del modelo que inspiró a Da Vinci. ¿Y si la musa del Leonardo fue un ragazzo y no una madonna ?

La versión circuló en el invierno boreal a partir de una nota de David Zurdo en las páginas del madrileño El Mundo.

A las conjeturas, se suman una serie de pistas que Leonardo dejó impresas en el cuadro más famoso y copiado del mundo. El "diablillo" que se esconde detrás de la Monna Lisa , asegura el periodista español, no sería otro que Salai, un amigo íntimo del artista, casi un adolescente, con quien compartió sus últimos años. El discípulo, joven y con rizos, que fue el modelo "probado" del retrato de San Juan Bautista, tiene la misma sonrisa de La Gioconda .

Dicen que Leonardo sólo guardó dos cosas hasta el fin de sus días: un cofre que se abrió después de su muerte y la Monna Lisa . Amaba esa pintura de pequeño formato realizada sobre madera de álamo, que estuvo colgada en los aposentos reales de Francisco I y hoy forma parte de la pinacoteca gigantesca del Museo del Louvre. Es la referencia obligada cuando se habla de pintura y garantiza una visita al Louvre, como sucede con el Guernica , en el Reina Sofia o con Las meninas , en el Prado.

La historia cuenta que un siglo después de ser exhibido por primera vez, una limpieza de la tela dejó al descubierto el paisaje que estaba detrás de la dama de la sonrisa serena. Era una vista de la Toscana, tan serena como la sonrisa atribuida a Lisa Gherardini, más conocida como la Monna Lisa, florentina de alcurnia, casada con el empresario textil Francesco del Giocondo.

También circulan otros nombres: una amante de Giuliano de Medici, la madre de Leonardo, Isabella d’Este, y, remata Elisabetta Piqué, corresponsal de La Nacion en Roma, hasta el mismo Leonardo travestido de mujer.

Secretos múltiples en un lienzo eterno. Si un siglo después de pintado apareció un paisaje? la misteriosa tela puede seguir aportando información. Leonardo da Vinci habría pintado el cuadro entre 1503 y 1506. Desde 1490 vivía en su "bottegga" Gian Giacomo Capriotti, el ragazzo se convirtió rápidamente en su modelo predilecto, hasta el punto de prestar sui rostro, para el retrato de San Juan, el Bautista.

Leonardo lo bautizó con el apodo de Il Salaiano, el Salai, traducido como El Diablillo, por su conducta y hábitos díscolos. Ultimo dato: en diciembre de 2010 pruebas digitales determinaron que detrás de los ojos se esconden una L y una S. ¿Críptico mensaje de Leonardo al joven Salaiano?

aarteaga@lanacion.com.ar

Twitter: @alicearte.com

Arte Griego

El Arte Griego marca un referente para la civilización occidental que perdurará hasta nuestros días. Los modelos griegos de la antigüedad son tenidos como clásicos y los cánones escultóricos y los estilos arquitectónicos han sido recreados una y otra vez a lo largo de la historia de Occidente.

    PINTURA

Para hablar de la pintura griega es necesario hacer referencia a la cerámica, ya que precisamente en la decoración de ánforas, platos y vasijas,cuya comercialización era un negocio muy productivo en la antigua Grecia, fue donde pudo desarrollarse este arte.

Al comienzo los diseños eran elementales formas geométricas -de ahí la denominación de geométrico que recibe este primer período ( siglos IX y VIII a. C. )- que apenas se destacaban sobre la superficie.

Edipo interrogado por la EsfingeÁnfora ática, decorada con Heracles y el toro MinosAquiles y Ayax jugando a los dados
Copa Ática decorada con AtletasCorredores durante los Juegos PanatenaicosCrátera con una escena de preparación de un espectaculo teatral

Con el correr del tiempo, éstas se fueron enriqueciendo progresivamente hasta cobrar volumen. Aparecieron, entonces, los primeros dibujos de plantas y animales enmarcados por guardas denominadas "meandros". En un próximo paso, ya en el período arcaico ( siglos VII y VI a. C. ), se incluyó la figura humana, de un grafismo muy estilizado. En medio de las nuevas tendencias naturalistas, ésta cobró mayor importancia al servicio de la representaciones mitológicas.

Las escenas se organizaron en franjas horizontales paralelas que permitían su lectura girando la pieza de cerámica. Con el reemplazo del punzón por el pincel los trazados se volvieron más exactos y detallistas. Las piezas de cerámica pintadas comienzan a experimentar una notable decadencia durante el clasicismo (siglos IV y V a. C.) para resurgir triunfantes en el períodohelenístico (siglo III), totalmente renovadas, plenas de color y ricamente decoradas.

Para seguir leyendo sobre arte griego seguir este enlace de donde fue tomada la información:

http://thales.cica.es/rd/Recursos/rd98/HisArtLit/01/artegr.htm

Sung Sam Park Pintor

Sung Sam Park Pintor

Sam Sung Park nació en 1949 en Seul, Corea, donde comenzó a pintar a la edad de doce años. Su talento y habilidades docentes fueron rápidamente reconocidos y por la edad de trece años, cuando todavía era un joven estudiante de secundaria,  enseñó pintura en la escuela secundaria local.

http://www.prezentino.com/zoom.php?id=2416&tab=tab2

Un mundo mágico....(Como Nutibara)

Un mundo mágico....(Como Nutibara)

Joan Miró

1893 - 1983 (Barcelona, España)

Joan Miró

Nació en Barcelona el 20 de abril de 1893 en el Passatge del Credit no. 4, donde su padre tenía un taller de orfebrería y relojería, por tanto es catalán y no mallorquín como en ocasiones se dice, aunque es en Mallorca donde se traslada a vivir en 1956 y donde reside hasta su muerte en la navidad de 1983.

En 1907, siguiendo los deseos de su padre se matricula en la Escuela de Comercio de Barcelona, y además asiste a las clases de la Escuela de Bellas Artes de La Lonja, donde recibe clases de Modesto Urgell y Josep Pasco. En 1910 empieza a trabajar de contable en la droguería Dalamau y Oliveres, trabajo al que no consigue adaptarse y le provoca una crisis nerviosa. Un año más tarde, como consecuencia de la grave enfremedad que sufre se traslada a decansar a la casa de campo que su familia había adquirido recientemente en Montroig, un pueblo de Tarragona a pocos kilómetros del mar. Ahora es cuando decide dedicarse completamente a la pintura.

Se matricula en la Escola D’Art dirigida por Francisco Gali en 1912. Una academia que proponía una educación artística integral, donde además de aprender dibujo y pintura se discutía sobre la obra de Van Gogh, Cézanne, Gaugin, etc. Galí proponia tocar las cosas, los objetos, las personas para después pintarlas y dibujarlas, de forma que se ampliaba la experiencia sensorial para después ser capaces de traducir visualmente todas las sensaciones. Sus excursiones al campo no eran para tomar apuntes o esbozos, sino que se paseaba, se tocaba música, se leía poesía, etc. Es decir, se proponían unos métodos muy distintos a los académicos. También en este año conoce la obra de los Cubistas por la exposición que tiene lugar en la galería Dalmau, entre otros expusieron Gleizes, Gris, Duchamp.

En 1917, conoce a Picabia, quien se refugia en Barcelona huyendo de los efectos de la I Guerra Mundial, también conoce a Max Jacob. Es el primer contacto personal de Miró con los surrealistas, aunque ya conocía la obra de Apollinaire y Paul Reverdy.

Para seguir leyendo:

http://tierra.free-people.net/artes/pintura-joan-miro.php

Su Obra:

http://www.google.com.ar/search?q=joan+miro&hl=es&rlz=1T4GGHP_esAR418AR418&prmd=ivnsulo&tbm=isch&tbo=u&source=univ&sa=X&ei=f7SbTd3FFtC3tgees52_Bw&ved=0CC8QsAQ&biw=1259&bih=447

 

Cartapesta

Cartapesta

La Cartapesta es la técnica decorativa en la que se superponen trozos de papel y algún tipo de adhesivo al agua sobre una determinada superficie. La Cartapesta es la famosa técnica que se utiliza para fabricar máscaras durante los carnavales, superponiendo papeles con pegamento sobre un globo que luego se pincha.

Generalmente utilizamos la Cartapesta cuando buscamos unir y emparejar la superficie de un objeto, a la vez que se aumenta su resistencia. Para darte una idea, cuando se seca, la Cartapesta adquiere la dureza de un cartón piedra.

Para la Cartapesta pueden utilizarse diferentes tipos de papel: papel de periódico, papel higiénico, servilletas, etcétera. Lo importante es que no sea un papel plastificado. Además, es necesario cortar los trozos de papel con la mano para que sus bordes queden irregulares y se peguen mejor, formando una capa mucho más compacta y uniforme. Si la superficie a cubrir es grande, puedes cortar el papel en trozos medianos o grandes; pero si es pequeña, deberás cortarlos más pequeños para que se adapten mejor a la superficie.

El adhesivo que se utiliza en la Cartapesta es cualquiera al agua: engrudo casero (la mezcla de harina y agua), cola vinílica y adhesivo para papel mural.

La técnica en sí es muy sencilla: debes cubrir el objeto con el adhesivo e ir pegando trozos de papel, procurando que se encimen. Luego se coloca otra capa de adhesivo y otra capa de papel, y así sucesivamente hasta completar 3 o 4 capas, dependiendo de la dureza y resistencia que requiera el trabajo.

Sobre la Cartapesta terminada se puede pintar directamente o colocar una capa de pasta muro o enduído antes de aplicar el color.

http://espaciohogar.com/tecnicas-decorativas-cartapesta/

Aqui se pueden apreciar excelentes trabajos en cartapesta, sobre muebles, objetos, tapices, con calidad artística, cultural y de exportación.

http://www.puebloindio.com.ar/tapices.html

Poema Los Amantes de Julio Cortázar

Poema Los Amantes de Julio Cortázar

¿Quién los ve andar por la ciudad
si todos están ciegos ?
Ellos se toman de la mano: algo habla
entre sus dedos, lenguas dulces
lamen la húmeda palma, corren por las falanges,
y arriba está la noche llena de ojos.

Son los amantes, su isla flota a la deriva
hacia muertes de césped, hacia puertos
que se abren entre sábanas.
Todo se desordena a través de ellos,
todo encuentra su cifra escamoteada;
pero ellos ni siquiera saben
que mientras ruedan en su amarga arena
hay una pausa en la obra de la nada,
el tigre es un jardín que juega.

Amanece en los carros de basura,
empiezan a salir los ciegos,
el ministerio abre sus puertas.
Los amantes rendidos se miran y se tocan
una vez más antes de oler el día.

Ya están vestidos, ya se van por la calle.
Y es sólo entonces
cuando están muertos, cuando están vestidos,
que la ciudad los recupera hipócrita
y les impone los deberes cotidianos.

Julio Cortazar

Arun_Roy- Feria del arte

Arun_Roy- Feria del arte

En general el color es un medio para ejercer una influencia directa sobre el alma.

El color es la tecla. El ojo el macillo. El alma es el piano con muchas cuerdas.

El artista es la mano que, por esta o aquella tecla, hace vibrar adecuadamente el alma humano.

Kandinsky
De lo Espiritual en el Arte

http://www.flecha.es/

http://www.flecha.es/Obras-de-Arun_Roy-expuestas-en-Feria-de-Arte-Flecha-2011/

Dibujos....

Dibujos....

Joaquín Morales Molero Valdepeñas, 1964.

 

Pintor y dibujante, a partir de 1988 se especializa en el dibujo y sus diversas técnicas.

Son numerosas sus exposiciones, tanto individuales como colectivas, bien en entidades públicas o privadas, como la Galería Xeito (Madrid), Galería Sokoa (obra en depósito) en Madrid, Chagall en Mieres (Asturias) y la Goya Art Gallery de New York. En esta última, en 1995, participó en la exposición “El desnudo artístico.Obra sobre papel de los mejores especialistas”, junto a obras de reconocidos artistas como Vázquez Díaz o Revello de Toro. Sus dibujos han estado presentes en los más prestigiosos certámenes, como el “Premio Penagos” de la Fundación Cultural MAPFRE; el “Antonio del Rincón” de la Diputación de Guadalajara; el concurso internacional “Fundación Ynglada Guillot” de la Real Academia Catalana de Sant Jordi en Barcelona; el certamen “Fundación Gregorio Prieto” de Valdepeñas donde fue galardonado en tres ocasiones con sendas Medallas de la Fundación y la Feria de Arte Contemporáneo “Arte Sevilla”.

También hay que mencionar su obra gráfica, entre la que sobresale las ilustraciones en libros y revistas especializadas, como la 1ª edición de El anillo verde de Alberto Vázquez-Figueroa (Plaza&Janés), Pájaros de cuento de Cristóbal Zaragoza (Seuba Ediciones), El Quijote entre todos 2ª parte (AACHE Ediciones-Casa de la Torre. Guadalajara) o el diseño del cartel anunciador de las XLII "Fiestas del Vino" de Valdepeñas, declaradas de Interés Turístico Nacional.

 

http://joaquinmorales.blogspot.es/

Edwin Long

Edwin Long

Sir Lawrence Alma-Tadema (1836-1912)

Pintor holandés que, tras estudiar en Amberes, se estableció en Londres en 1870, donde a pesar de su origen obtuvo el reconocimiento de Sir en 1899, gracias a su aportación a la pintura del Reino Unido. En vida fue considerado el más grande de los pintores de la época victoriana. Su especialidad era la pintura histórica, en un principio de la Edad Media y más tarde, tras visitar las ruinas de Pompeya, de la Antigüedad. Edwin Long fue uno de sus imitadores, y al igual que él, su obra también cayó en el olvido tras su muerte, y sólo muy reecientemente se le ha vuelto a valorar como un gran pintor.

Su pintura tiene cierta relación con el Prerrafaelismo, corriente inglesa desarrollada en la época victoriana, pero más que en las formas, en el fondo. A través de sus cuadros se intentan lanzar mensajes morales y didácticos, como por ejemplo la lucha por el decoro victoriano. En plena Revolución Industrial, estos artistan intentan disimular la cruda realidad social mediante la creación de hermosas metáforas, y pintan idílicos paisajes y situaciones del mundo medieval y clásico, tomando como elemento clave la figura femenina.

Longsden Edwin Long (nacido en 1829  , murió en 1891 ) -Británico pintor académico.

Nacido en Baños , en la infancia ha demostrado un talento para el dibujo. Estudió en la Academia Real.Tomó lecciones de Jhon Phillip , quien le animó a su  primera visita a España.Después de visitar el país con regularidad hasta 1873,  en 1874 visitó Egipto y Siria , y luego se dedicó por completo a los temas orientales

Long fue un pintor de temas históricos interesados en Biblicas y Orientales , para influir en su trabajo viajo a España y el Oriente Medio.  Valorado fue la atención a los detalles y el conocimiento del cumplimiento de los históricos . . Su pintura más famosa fue la de Babilonia Matrimonio mercado , el mercado presentó una mujer de provocación en la antigua Babilonia, la reconstrucción minuciosa de los detalles de la arquitectura , el paisaje y las costumbres de las civilizaciones antiguas.

http://www.abretelibro.com

http://pl.wikipedia.org/wiki/Edwin_Long

Imagen: El amor perdido

http://www.reprodart.com/a/long-edwin.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Edwin_Long_-_De_camino_en_Granada.jpg

 

EL MAESTRO DEL ESCORZO, ANDREA MANTEGNA

EL MAESTRO DEL ESCORZO, ANDREA MANTEGNA

(Escorzo es reducir la  longitud de los objetos según las reglas de la perspectiva. Escorzo es el término usado para referirnos a un cuerpo en posición oblicua o perpendicular a nuestro nivel visual. El efecto de escorzo existe en todos los cuerpos con volumen.)

El 13 de septiembre de 1506 falleció en Mantua ANDREA MANTEGNA. Mantegna es considerado uno de los grandes impulsadores, sino uno de los creadores del escorzo como técnica pictórica. Nacido en Isola de Carturo, Padova, Italia, (1431), Mantegna fue pintor y grabador de cuadros y frescos en  los comienzos del Renacimiento italiano. Además fue contemporáneo de grandes artistas de ese período como Donatello, Ucello y Lippi.

Sus trabajos los realizó generalmente por encargo, principalmente para la nobleza italiana. Mantegna emplea un estilo de diseño penetrante y afilado que hace resaltar a sus personajes con claridad respecto al fondo de la escena. Su característica más relevante corresponde a un estilo de perspectiva muy propia, que le permite dar volumen a las figuras.

En sus primeras obras, como el Retablo de san Zeno, muestra ya una personalidad claramente definida.  Los tres elementos plásticos fundamentales (dibujo, luz y color) están perfectamente definidos, como es habitual en toda la obra de Mantegna; además, los colores son vivos e intensos, destinados a precisar con fuerza el volumen de las figuras.

Aún más famosa es la Oración en el huerto, sobre todo por el escorzo de la figura situada en primer término (Mantegna ha pasado a la historia del arte, en gran parte, por sus magistrales escorzos), y también por el magnífico empleo de la perspectiva, insuperable en aquella época. Otra de las características de su estilo, la ubicación de las escenas en el marco de arquitecturas antiguas, alcanza un elevado nivel de perfección en el San Sebastián del Louvre