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PROYECTORAYUELA

PINTURA, DIBUJOS

Chagall el judio

Chagall el judio

https://www.youtube.com/watch?v=8YdoY9VeZF0

http://youtu.be/8YdoY9VeZF0


 

Enlace Judío México | Halyna Petrenko, colaboradora de Enlace Judío, tradujo para ti, desde el ruso, el video animado de las obras de Chagall.

Uno de los videos más bellos jamás publicados en este portal, es de la Agencia Federal de Cultura y Cinematografía, Compañía Acuarius, Ciudad Saratov.

¡Disfrútalo!

La pasión de Chagall

Lo primero que vieron mis ojos fue un barreño, un simple barreño, hondo y con esquinas redondeadas y yo cabía entero en él, no me acuerdo quién pero es probable que fuera mi madre que me comentaba que en ese momento cuando yo nacía en las afueras de la ciudad de Vítebsk había un incendio, este fuego había cubierto toda la ciudad, incluyendo un barrio judío en las afueras de la ciudad; a mi madre y a mi nos llevaron a un sitio seguro en la otra punta de la ciudad.

Cuando crecí, decidí ser pintor, pasara lo que pasara, esa era mi vocación, contrariamente a los planes de mi madre que quería convertirme en un encargado tutor o en un famoso fotógrafo. Pero mi tío, muy orgulloso de mí desde que le regalé un retrato pintado por mi y le había encantado. Pero un día, mirándose en el espejo me dijo que mejor me lo quedara, que él no lo quería porque no se parecía a él.

Yo quiero ser pintor, no encargado, ni economista, ni fotógrafo le decía a mis profesores, mi abuelo y toda mi familia no tomaba en serio mi vocación, valoraban o daban preferencia a cualquier cosa, por ejemplo la carne, una vaca, lo que sea más que a mis pinturas.

En muchas ocasiones me preguntaba si no soy pintor, entonces ¿quién soy? Yo, le pedía a Dios que saliera de su alma mi vocación, que se expresara su sensibilidad, pobre alma de un chico que tartamudea, yo no quiero parecerme a otros, quiero ser yo mismo, quiero ver el mundo con mis propios ojos.

Las pinturas se convierten en vino y se hace espuma encima de mis lienzos.

 

 

Mujer con una flor

Mujer con una flor

Picasso, un malagueño que nación en 1881 y que viviría hasta 1973, participó en la génesis de muchos de los movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejerció una fuerte influencia en muchos de los grandes artistas de su tiempo.

De sus miles de obras, hoy nos centramos en: “Mujer con una flor” que pintó en 1932. Una obra claramente cubista en la que Picasso rompe con las formas de representación del espacio tradicionales e introduce figuras que se asemejan a mascaras africanas. Junto a G. Braque elabora este sistema pictórico que define la luz y el volumen de forma conceptual descomponiendo los objetos en unidades geométricas de forma cúbica.

Y es que las mujeres eran las eternas musas de su arte, le encantaba retratarlas como podemos ver en muchos de sus cuadros que las tienen como protagonistas.

http://www.quedeflores.com/blog/index.php/mujer-con-una-flor-de-pablo-picasso/

https://www.google.com.ar/search?hl=es&gs_rn=8&gs_ri=psy-ab&cp=6&gs_id=m&xhr=t&q=picasso&biw=1280&bih=565&bav=on.2,or.r_qf.&bvm=bv.44770516,d.eWU&wrapid=tljp1365301643110010&um=1&ie=UTF-8&tbm=isch&source=og&sa=N&tab=wi&ei=ItlgUf-xJKnh0gG1sYDwBw#imgrc=jqKDuf1a0ikjaM%3A%3BbINUvW0U7_u70M%3Bhttp%253A%252F%252Fwww.quedeflores.com%252Fblog%252Fwp-content%252Fuploads%252F2011%252F04%252Fmujer-con-flor.jpg%3Bhttp%253A%252F%252Fwww.quedeflores.com%252Fblog%252Findex.php%252Fmujer-con-una-flor-de-pablo-picasso%252F%3B589%3B759

Artistas Argentinos

Artistas Argentinos

Virna Solange Ponso | Biografía

Nace en el Partido de Pilar, provincia de Buenos Aires en 1972.
Su formación fue en el Instituto Superior de Arte y Creatividad de Pilar, en Artes Visuales.
Realizo continuos cursos de capacitación virtual de Arte, asistió a distintos seminarios de Arte.
Actualmente ejerce como Profesora de Artes Plásticas-Visuales, en todos los niveles y Profesora de Grabado.
Su desarrollo artístico facilita la convocatoria y participación de diversas exposiciones
Colectivas e individuales en varios distritos, concursos nacionales e internacionales.
Hoy manifiesta la importancia y necesidad del Arte para redescubrir quienes somos en realidad.

Mi pasion por el arte comienza en mi infancia a los 6 años, cuando recolectaba tizas que sobraban de cada clase, y realizaba un mural en una de las paredes de mi casa, que luego ma madre enojada borraba de un baldazo. El estudio artistico quedo en latencia hasta despues de casarme y a mis 27 años logre realizar la carrera de artes visuales en pilar. A PARTIR DEL AÑO 2000 HASTA LA FECHA.

Me motiva los sentimientos, puestos en cada obra, depende mi estado de animo mi mano me indica lo que debo hacer, si esculpir, grabar, dibujar o pintar. En cada obra dejo muchisima energia y mi objetivo es transmitir lo que siento con el alma y el corazon. Hoy continuo realizando obras en cualquier horario del dia ya que nace y siento que lo debo hacer. He vendido muchas obras y expongo continuamente en forma colectiva o individal, participo de diversos concursos, en este año estoy participando de un concurso internacional de grabado y de uno nacional de pintura.

http://artistasargentinos.com/virna-solange-ponso-biografia/

GERARD SEKOTO,

GERARD SEKOTO,

y hoy… les compartiremos el arte de GERARD SEKOTO, fue un artista sudafricano y músico. Es reconocido como el pionero del urbano arte negro y el realismo social. 
Su primera exposición individual fue en 1939. En 1940, la Galería de Arte de Johannesburgo compro uno de sus cuadros, siendo el primer cuadro pintado por un artista negro para la colección del museo. 
(en imagen: “Dancing Senegaleses Figures” -1967 - )

http://www.google.com.ar/search?q=gerard+sekoto&hl=es&rlz=1R2GGLS_esAR463&prmd=imvns&tbm=isch&tbo=u&source=univ&sa=X&ei=FqZOUM63Ecfi0gHPwoHwCA&sqi=2&ved=0CB4QsAQ&biw=1280&bih=503

Fundación Tres Pinos

VICTOR NIZOVTSEV

VICTOR NIZOVTSEV

Fundación Tres Pinos

y hoy… les compartimos el talento de ...

VICTOR NIZOVTSEV. Pintor magistral en óleo, sus composiciones teatrales-figurativas tienen fantasía, paisajes y naturalezas muertas. Si bien su formación artística profesional se produjo en Rusia, él sigue siendo un estudiante de experiencias ricas y diversas. La inspiración para el arte de Víctor viene de todo lo que ve y toca (puede ser la mitología griega, el folclore ruso, recuerdos de su infancia, los grandes maestros del pasado, o escenas de la vida cotidiana).
(en imagen: “Contemplation” de su serie “Mermaids”)

Joshua Burbank

Joshua Burbank

http://www.joshuaburbank.com/

Nacido en 1968 en Los Ángeles, California, Josué Burbank Actualmente vive y trabaja en San Francisco, California. Burbank tiene un BFA de la Universidad Academia de Arte de San Francisco y estudió escultura con el escultor argentino.

 

http://www.google.com.ar/search?q=joshua+burbank&hl=es-419&rlz=1R2GGLS_esAR463&prmd=imvnso&tbm=isch&tbo=u&source=univ&sa=X&ei=p8MeUOKkEYnm9AThxYGYBQ&sqi=2&ved=0CFsQsAQ&biw=1280&bih=503

SULAMITH WULFING

SULAMITH WULFING
hoy, les compartimos el arte de SULAMITH WULFING (1901/1989)

Con cuatro años comenzó a dibujar sus visiones de hadas, ángeles, gnomos y espíritus mágicos de la naturaleza que según decía, la acompañaban e inspiraron toda su vida.
Se formó en la Escuela de Arte de Wuppertal - Alemania. Los rasgos más característicos de sus pinturas son los semblantes tristes con grandes ojos, en ricos vestidos, joyas y ornamentos, casi siempre en entornos naturales con una fuerte carga simbólica, mistica pero a la vez tierna y mágica. Todos sus cuadros son de una gran belleza y perfección en sus líneas y encuadres.
 
 

Miguel Covarrubias

Miguel Covarrubias

 

 “Ofrecimiento de frutas al templo” (1932)

(Ciudad de México, 1904-1957) Pintor, ilustrador y diseñador de decorados teatrales. Desde 1919 optó por el oficio de caricaturista, la primera de sus habilidades de las que se tiene noticia detallada. En la adolescencia su precocidad lo acerca al medio artístico, y, con la timidez que refieren sus coetáneos, frecuenta el círculo de Diego Rivera, el Dr. Atl, Roberto Montenegro, Dávid Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, Manuel Rodríguez Lozano y Adolfo Best Maugard. Covarrubias es, por antonomasia, el Chamaco, el jovencito que prodiga caricaturas de artistas y figuras del espectáculo, el que se educa en la ronda de conversaciones con los pintores y escritores, y en la frecuentación de los "museos" en que para él se convierten los negocios de anticuarios y los estudios de pintores. Allí la observación y el trabajo incesante formalizan su educación informal.

Seguir leyendo:http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/covarrubias_miguel.htm

Georges Braque

Georges Braque

 

Georges Braque dijo una vez que "mientras la ciencia tranquiliza, el arte perturba". Y creemos que, efectivamente, sus cuadros cubistas tienen un toque perturbador. ¿Estáis de acuerdo?

En esta obra podemos ver como Braque pasa por una fase de cubismo analítico, en la que los objetos quedan descompuestos hasta el punto de ser irreconocibles.

 

Georges Braque

(Argenteuil, Francia, 1882-París, 1963) Pintor francés. Hijo de un pintor de brocha gorda, oficio que siguió en un principio, Braque estudió a partir de 1900 en la Escuela de Bellas Artes de París y hacia 1906 se adhirió al fauvismo, bajo la influencia de su amigo Othon Friezs, con obras como El embarcadero del puerto de l'Estaque.


Georges Braque

En 1907, una exposición de Cézanne y el encuentro con Picasso pusieron a Braque en la senda del cubismo, tendencia de la que es cofundador. Desde entonces hasta su movilización en la Primera Guerra Mundial, trabajó en estrecha colaboración con Picasso, dando vida a la fase llamada cubismo analítico (Naturaleza muerta con instrumentos musicales), y más tarde a la denominada cubismo sintético (Vaso y violín).

A diferencia de Picasso, que plasmó con frecuencia la figura humana, Braque prefirió, a lo largo de toda su trayectoria artística, la naturaleza muerta, en la que introdujo novedades significativas, como el empleo del collage o la incorporación de letras y números. En sus bodegones cubistas juega con el espectador, invitándole a reconstruir los objetos a partir de las diversas perspectivas que de ellos introduce en sus obras.


Violín y jarra (1910), de Georges Braque

Después de la guerra de 1914-1918, el artista prescindió de los trazos angulosos y las líneas fuertemente geométricas de su etapa anterior para inclinarse hacia la línea curva en un nuevo repertorio de temas: los Guéridons (naturalezas muertas sobre una mesa redonda), las Pequeñas chimeneas (1919-1927), las Canéforas (1922) y, sobre todo, los Ateliers (1948-1955), donde recrea ambientes interiores en clave simbólica. Braque, que fue también ilustrador, escenógrafo, escultor y grabador, alcanzó un importante reconocimiento en vida y dejó una profunda huella en el desarrollo de la pintura.

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/braque.htm

 

http://www.google.com.ar/search?q=georges+braque&hl=es&rlz=1R2GGLS_esAR463&prmd=imvnso&tbm=isch&tbo=u&source=univ&sa=X&ei=auHKT7iLM5Cs8QTK2L2CDw&sqi=2&ved=0CHgQsAQ&biw=1280&bih=565

 

Gustave Klimt

Gustave Klimt
¿Pareja de hecho o simplemente amigos? Muchos especialistas consideran que entre Gustav Klimt y Emilie Flöge, a la que pintó en este retrato, había algo más que una simple amistad, llegando incluso a hablar de amor libre.

En el cuadro Emil...ie aparece vestida con un elegante traje azul, adornado con formas típicamente modernistas, destacando su altura y esbeltez.
 

El beso (1907-1908), de Gustav Klimt

Written by Patricia OrdóñezFriday

Al verlo, ¿quién no se pregunta qué representan las dos figuras? ¿O qué es el espacio que las rodea? Su peculiar estilo y las incógnitas que abre han hecho de esta obra una de las más significativas del arte del siglo XX.

Símbolo de La Secesión vienesa

En 1897 [[Gustav Klimt|Klimt]] fue escogido presidente de La Secesión, movimiento artístico alternativo al arte conservador que había en la Viena de fin de siglo. Un grupo de artistas innovadores decidieron seguir con el ejemplo de otros movimientos europeos y dar un vuelco al arte y la cultura de su país, demasiado puritana y anticuada. Es así como nació La Secesión y con ella un arte revolucionario, lleno de formas y temas sugerentes. Klimt revelaría este espíritu a través de su pintura. El beso refleja la esencia de lo que predicó el grupo, y Klimt no perdió la oportunidad de ofrecer aquello que había aprendido y desarrollado años antes. Pese a las duras críticas de la aristocracia conservadora, el público lo recibió con gran entusiasmo, convirtiéndose en uno de los símbolos de La Secesión y de la Viena de principios de siglo.

Seguir leyendo:

http://www.portaleureka.com/accesible/arte/238-el-beso-klimt

Mundo Magico el de Leonid Afremov

Mundo Magico el de Leonid Afremov

 Biografía Leonid Afremov nació en 1955 en la ciudad de Vitebsk, Bielorrusia. Leonid nació en el mismo pueblo en el que nació Marc Chagall , el famoso artista que fundó la Escuela de Arte de Vitebsk junto con Malevich & Kandinsky. Leonid Afremov se graduó en la Escuela de Arte de Vitebsk en 1978 y es uno de sus miembros de élite. El artista tiene su propio y único estilo. No utiliza los pinceles para pintar, utiliza una espátula. Originales, luminosos, coloridos y con estilo propio, sus paisajes del campo, la ciudad y sus personajes han sido aclamados mundialmente. En 1990 se fue a Israel en donde vivió por varios años de donde se mudó a su hogar actual en Boca Raton , Florida.

Leonid Afremov en sus propias palabras : “ He probado diferentes técnicas durante mi carrera, sin embargo yo me enamoré de la pintura de aceite aplicada con espátula. Cada obra de arte es el resultado de un largo proceso, cada lienzo va naciendo durante la búsqueda creativa de la obra, cada pintura está llena de mi mundo interior. Cada una de mis pinturas transmite un diferente estado de ánimo, diferentes colores y emociones. Yo adoro expresar la belleza, la armonía y el espíritu de este mundo en mis pinturas. Mi corazón está completamente abierto al arte. Por eso, yo disfruto el crear inspiradas y bellas pinturas desde el fondo de mi alma. Cada una de mis pinturas refleja mis sentimientos, sensibilidad, pasión y la música de mi alma. El arte verdadero es vivo e inspirado por la humanidad. Yo creo que el arte nos ayuda a liberarnos y le da paz a nuestro espíritu.”

 

http://www.slideshare.net/Aavmvazquez/leonid-afremov-biografia-y-pinturas

https://www.google.com.ar/search?hl=es&rlz=1T4GGLS_esAR463AR463&q=leonid+afremov+pinturas&gs_upl=0l0l0l5925lllllllllll0&um=1&ie=UTF-8&tbm=isch&source=og&sa=N&tab=wi&ei=14GoT4DZHsW9twe1u-SKAw&biw=1280&bih=565&sei=7IGoT-u5CJGe8QStxt2LDA

Teselas

Teselas

4. Introducción: El proyecto se desarrollará de acuerdo al tema de teselas, esto es un método que se utiliza para poder formar mosaicos a partir de figuras regulares y estas en algunas ocasiones se van modificando como es el caso de la teselación que pretendemos hacer, en este ejemplo se utilizarán como base el triangulo, así como el hexágono, también se realizarán algunos cortes, y éstos se unirán para lograr formar una teselación de mariposas.

Seguir leyendo y ver video:

http://www.slideshare.net/MSYXO/presentacin-teselas-upn

Franz Marc

Franz Marc

https://www.google.com.ar/search?q=franz+marc&hl=es&rlz=1T4GGLS_esAR463AR463&prmd=imvnso&tbm=isch&tbo=u&source=univ&sa=X&ei=viaST67CO4y3tweJ05TDCQ&ved=0CEEQsAQ&biw=1280&bih=565&sei=wiaST9aXFYjFtgfLpNXCCQ

Munich, 1880-cerca de Verdún, Francia, 1916) Pintor alemán. Cursó estudios de filosofía y teología y, entre 1899 y 1903, estudió en la Academia de Bellas Artes de Munich. Viajó por Italia, Grecia y Francia; en París descubrió la pintura fauvista, que tuvo una gran influencia en su estilo. Desde 1906 comenzó a estudiar la anatomía de los animales detalladamente, labor a la que consagraría toda su carrera artística. Para Marc, los animales encarnan la belleza pura, y es a través de la naturaleza como se busca la espiritualidad.

En 1910 entabló amistad con August Macke y Vasili Kandinsky. Con este último coeditó el primer ejemplar de Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), publicación que dio nombre a un grupo artístico cuyos miembros matizarían el primer expresionismo alemán con un misticismo y sensibilismo que les acercaría a la abstracción. Aunque tenía una concepción del color análoga (si no idéntica) a la de Kandinski, Franz Marc no llegó nunca a la disolución casi total de la forma figurativa que caracterizó la obra del ruso entre 1911 y 1914. Por el contrario, mantuvo sus motivos pictóricos de tipo naturalista (sobre todo, animales), aunque basó más su pintura en la explosión sinfónica de los valores psicocromáticos.


Tigre (1912), de Franz Marc

En un primer período su obra fue plenamente figurativa; más adelante su trabajo se vería afectado por el cubismo, lo que le llevaría a la fragmentación de planos en la que animales y entornos se entrelazan entre sí, como en Tigre (1912) o Caballo soñando (1913). Esta investigación le condujo hacia una mayor complejidad constructiva, favoreciendo la abstracción y reduciendo su interés por la viveza cromática tan característica de sus anteriores pinturas.

Además de los escritos que publicó en Der Blaue Reiter, entre sus ensayos destacan Bienes espirituales y Los fauves alemanes, así como la obra Cartas, notas y aforismos, que contiene recuerdos, meditaciones, cartas escritas durante la guerra (la mayor parte a su esposa María) y los cien aforismos anotados en el frente durante el año 1914. Su carrera quedó truncada por la Primera Guerra Mundial, durante la que falleció en el frente de Verdún.

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/marc.htm

Prefiere que lo llamen un Pintor que toca la Guitarra

Prefiere que lo llamen un Pintor que toca la Guitarra

http://youtu.be/cmPyxTdRasU

Ron Wood de los Rolling Stones va a mostrar sus obras de arte plástico en una exhibición en Londres el próximo mes.

La muestra, que responde al nombre Ronnie Wood’s Faces, Time And Places, va a constar de 100 cuadros y pinturas creados bajo la mano del guitarrista que podrán ser vistos desde el 7 hasta el 12 de Noviembre en The Gallery in Cork Street.

Con los preparativos y la selección que la exposición de retrospectiva requiere, Wood brindó sus palabras a The Observer y, sobre su facilidad con la pintura pronunció:

La gente no sabe que soy un artista. Tocar música como parte del esfuerzo de un equipo es maravilloso pero expresar individualidad como un artista es muy personal. El arte es más poderoso, es una declaración individual’.

El envión para que hiciera pública su faceta como pintor parece que vino de varios amigos: en primer lugar del artista conceptual Damien Hirst, quien lo apoyó en su carrera comprándole material para que se expresara libremente a través de sus rasgos gestuales.

Hirst podría haber decorado toda una escuela de arte con los pinceles, bocetos y material que tiene. Me dijo: ‘Ahora no tenés excusa

Y el multimillonario americano Bernie Chase, que es poseedor de gran parte de sus trabajos y se ofreció como co-curador de la muestra expresó: ‘Ronnie tocó y mantuvo amistades con todos: George Harrison, Jimi Hendrix, Eric Clapton, Pete Townshend, todos rockeros icónicos. Su arte explica la historia del rock and roll’.

Los comentarios de varios expertos y aficionados a la pintura lo respaldan en esta veta artística:

Sir. Peter Blake de la Academia Real manifestó que Wood merece ser tomado en cuenta como un artista serio: ‘Creo que la gente no le dio crédito porque es una estrella de rock, pero dibuja y pinta muy bien’.

Mientras que Edward Lucie-Smith, un historiador de arte dijo: ‘Ronnie está en el vuelo más alto como músicos, pero también es un artista completamente entrenado, y lo demuestra’.

Wood tiene estudios de arte y un atelier fijo en Londres, aunque regularmente se traslada por otras partes de Europa para estudiar las obras de los grandes maestros de la pintura y buscar en ellos inspiración. Regularmente se lo ve por Madrid contemplando las obras de Goya y Velázques o en París, de visita por el Musée D’Orsay.

Acá pueden apreciar algunas de pinceladas de su talento, que pese a ser parte de otra disciplina artística, nunca pierde el rasgo rockero, dado por el objeto que decide retratar y por la fuerza dinámica del color:

pierde el rasgo rockero, dado por el objeto que decide retratar y por la fuerza dinámica del color:

http://www.ultrabrit.com/2011/10/31/ron-wood-de-los-rolling-stones-exhibe-sus-obras-de-arte-en-una-muestra/

Toulouse Lautrec

Toulouse Lautrec

Si viajas a Francia, no dejes de visitar el museo Toulouse-Lautrec, que ayer abrió sus puertas tras una década de restauraciones. http://bit.ly/Hcqybf

Acuarelas de Jorge Carcavallo

Acuarelas de Jorge Carcavallo
Antecedentes

Nace en Montevideo, Uruguay

Cursa bachillerato de arquitectura realizando aprendizaje de dibujo lineal y natural; primeros contactos con técnicas de color, acuarela, pastel y témpera.

Breve pasaje como docente de dibujo técnico en la Universidad del Trabajo del Uruguay.

Desde el año 1996 curso de acuarela en el taller Arte-Club con el maestro Dante Piccarelli y desde 1998 curso de dibujo y pintura con el maestro Oscar Larroca, ambos artistas reconocidos mundialmente.

Curso "Apreciación de la Obra Artística, del Neolítico al Pop Art" a cargo del maestro Oscar Larroca.

Desde 2005 curso de Oleo con el maestro Aldo Curto.

Para seguir leyendo:http://www.judithcorsino.com/jorge_carcavallo.htm

 

Cristina Penescu

Cristina Penescu

Cristina Penescu nació en Bucarest, Rumania, 1988. Su familia se mudó a California cuando Cristina fue un año de edad. Desde temprana edad, su pasión por el arte y la naturaleza fue muy evidente. Cuando era niño le encantaba coleccionar libros sobre los animales y pasar su tiempo al aire libre en la naturaleza. Cristina ha experimentado con una variedad de medios y estilos, y recientemente ha hecho la transición a la vida silvestre del arte realista, que se siente siempre ha sido su verdadera vocación en la vida. A ella le gusta pintar una amplia variedad de temas de vida silvestre, sin embargo, los cánidos salvajes, especialmente los lobos, tienen un lugar especial en su corazón y han sido un tema recurrente en su arte desde la infancia. Cristina se ha tenido ningún entrenamiento formal y es un artista autodidacta. Ella tiene experiencia de trabajo en una variedad de medios, sin embargo ella prefiere acrílico y scratchboard. Su obra es muy detallista y que pretende acercar al espectador una de cerca, visión íntima de la naturaleza. Ella espera inspirar al mundo a través de sus representaciones de la belleza natural que nos rodea. Cristina se encuentra actualmente en el comienzo de su carrera como artista de la vida silvestre bien, pero ya ha comenzado a crear un nicho para sí misma en el campo. Recientemente fue aceptado como miembro de la Sociedad de la firma de renombre mundial de Artistas de Animales. Cristina es también miembro de los Artistas para la Conservación y el Marwell International Wildlife Art Society.

 

http://www.gran-angular.net/las-pinturas-hiperrealistas-de-cristina-penescu/2011/12/18/

 

http://www.wild-visions.com/artist.html



 

 

 

Milo Lockett

Milo Lockett

Una vida dedicada al arte

 
Milo Lockett es un artista plástico chaqueño, autodidacta, que comenzó su carrera luego de trabajar varios años en la industria textil.

En 2002 cerró su fábrica y estampadora textil, y abandonó completamente sus actividades empresariales para dedicarse por entero a la pintura.

De nacionalidad argentina, nacido el 1 de Diciembre de 1967, vive y trabaja en Resistencia, su ciudad natal. Desde su taller, situado en Irigoyen 456 “B”, Milo logró crear en poco tiempo, una identidad pictórica que lo convirtió en un éxito de ventas sin precedentes.

Sus referentes se encuentran en la obra de Jorge de la Vega, Nigro, Macció y Deira.

El público de Milo Lockett abarca desde grandes coleccionistas a jóvenes empleados y profesionales que están buscando su primera obra de arte.

Milo Lockett dona anualmente un promedio de 40 obras para subastas a beneficio del Hospital Pediátrico de Resistencia, trabajo realizado con adolescentes dentro de un proyecto de prevención de HIV - Cruz Roja Argentina. Además, ha colaborado para UNICEF en el proyecto “Un Minuto por mis Derechos” en el 7º Encuentro de Niños y Jóvenes escultores bajo el tema “Los Monstruos de Berni y Juanito Laguna”. Ha realizado talleres masivos de pintura al aire libre en el Festival de la Triple Frontera, Paraguay, Brasil y Argentina, Chaco, Jujuy, Corrientes, Misiones, Santa Fe y Buenos Aires.

http://www.milolockett.com.ar

 

Pablo Picasso

Pablo Picasso

 

http://youtu.be/QMNhehiAswM

Pablo Ruiz Picasso nació en Málaga en 1881 y murió en Moulins (Francia) en 1973. Era un artista español, hijo de José Ruiz Blasco. En 1895 se trasladó con su familia a Barcelona.
Entre 1901 y 1904 vivió en Madrid, Barcelona y París, mientras su pintura entró en la etapa dominada período azul. En la primavera de 1904 Picasso decidió trasladarse definitivamente a París y establecerse en un estudio en las riberas del Sena. Mientras, su pintura experimentó una nueva evolución, el período rosa.
Fue el creador del cubismo.
http://portafolio5a.blogspot.com/search/label/biograf%C3%ADa

Mucha creatividad en estas pinturas!

Mucha creatividad en estas pinturas!

Arbol Genial Lógico

 

Una idea que fue surgiendo con el pincel en la mano...sin condicionamientos, sin modelos, sólo óleos, el bastidor, mis pinceles y mi mente completamente en blanco...bueno mejor dicho en colores! creo que el resultado me sorprendió y mucho...resultó ser un mandala! es que a veces los recuerdos de lo que uno vió quedan en el inconciente y salen cuando menos lo esperamos. A mi me gusta...espero que a ustedes también! Saludos.

http://pintarconelalma.blogspot.com/