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Mujer con una flor

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Picasso, un malagueño que nación en 1881 y que viviría hasta 1973, participó en la génesis de muchos de los movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejerció una fuerte influencia en muchos de los grandes artistas de su tiempo.

De sus miles de obras, hoy nos centramos en: “Mujer con una flor” que pintó en 1932. Una obra claramente cubista en la que Picasso rompe con las formas de representación del espacio tradicionales e introduce figuras que se asemejan a mascaras africanas. Junto a G. Braque elabora este sistema pictórico que define la luz y el volumen de forma conceptual descomponiendo los objetos en unidades geométricas de forma cúbica.

Y es que las mujeres eran las eternas musas de su arte, le encantaba retratarlas como podemos ver en muchos de sus cuadros que las tienen como protagonistas.

http://www.quedeflores.com/blog/index.php/mujer-con-una-flor-de-pablo-picasso/

https://www.google.com.ar/search?hl=es&gs_rn=8&gs_ri=psy-ab&cp=6&gs_id=m&xhr=t&q=picasso&biw=1280&bih=565&bav=on.2,or.r_qf.&bvm=bv.44770516,d.eWU&wrapid=tljp1365301643110010&um=1&ie=UTF-8&tbm=isch&source=og&sa=N&tab=wi&ei=ItlgUf-xJKnh0gG1sYDwBw#imgrc=jqKDuf1a0ikjaM%3A%3BbINUvW0U7_u70M%3Bhttp%253A%252F%252Fwww.quedeflores.com%252Fblog%252Fwp-content%252Fuploads%252F2011%252F04%252Fmujer-con-flor.jpg%3Bhttp%253A%252F%252Fwww.quedeflores.com%252Fblog%252Findex.php%252Fmujer-con-una-flor-de-pablo-picasso%252F%3B589%3B759

07/04/2013 00:30 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Artistas Argentinos

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Virna Solange Ponso | Biografía

Nace en el Partido de Pilar, provincia de Buenos Aires en 1972.
Su formación fue en el Instituto Superior de Arte y Creatividad de Pilar, en Artes Visuales.
Realizo continuos cursos de capacitación virtual de Arte, asistió a distintos seminarios de Arte.
Actualmente ejerce como Profesora de Artes Plásticas-Visuales, en todos los niveles y Profesora de Grabado.
Su desarrollo artístico facilita la convocatoria y participación de diversas exposiciones
Colectivas e individuales en varios distritos, concursos nacionales e internacionales.
Hoy manifiesta la importancia y necesidad del Arte para redescubrir quienes somos en realidad.

Mi pasion por el arte comienza en mi infancia a los 6 años, cuando recolectaba tizas que sobraban de cada clase, y realizaba un mural en una de las paredes de mi casa, que luego ma madre enojada borraba de un baldazo. El estudio artistico quedo en latencia hasta despues de casarme y a mis 27 años logre realizar la carrera de artes visuales en pilar. A PARTIR DEL AÑO 2000 HASTA LA FECHA.

Me motiva los sentimientos, puestos en cada obra, depende mi estado de animo mi mano me indica lo que debo hacer, si esculpir, grabar, dibujar o pintar. En cada obra dejo muchisima energia y mi objetivo es transmitir lo que siento con el alma y el corazon. Hoy continuo realizando obras en cualquier horario del dia ya que nace y siento que lo debo hacer. He vendido muchas obras y expongo continuamente en forma colectiva o individal, participo de diversos concursos, en este año estoy participando de un concurso internacional de grabado y de uno nacional de pintura.

http://artistasargentinos.com/virna-solange-ponso-biografia/

08/10/2012 21:51 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

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GERARD SEKOTO,

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y hoy… les compartiremos el arte de GERARD SEKOTO, fue un artista sudafricano y músico. Es reconocido como el pionero del urbano arte negro y el realismo social. 
Su primera exposición individual fue en 1939. En 1940, la Galería de Arte de Johannesburgo compro uno de sus cuadros, siendo el primer cuadro pintado por un artista negro para la colección del museo. 
(en imagen: “Dancing Senegaleses Figures” -1967 - )

http://www.google.com.ar/search?q=gerard+sekoto&hl=es&rlz=1R2GGLS_esAR463&prmd=imvns&tbm=isch&tbo=u&source=univ&sa=X&ei=FqZOUM63Ecfi0gHPwoHwCA&sqi=2&ved=0CB4QsAQ&biw=1280&bih=503

Fundación Tres Pinos

11/09/2012 00:50 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

VICTOR NIZOVTSEV

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Fundación Tres Pinos

y hoy… les compartimos el talento de ...

VICTOR NIZOVTSEV. Pintor magistral en óleo, sus composiciones teatrales-figurativas tienen fantasía, paisajes y naturalezas muertas. Si bien su formación artística profesional se produjo en Rusia, él sigue siendo un estudiante de experiencias ricas y diversas. La inspiración para el arte de Víctor viene de todo lo que ve y toca (puede ser la mitología griega, el folclore ruso, recuerdos de su infancia, los grandes maestros del pasado, o escenas de la vida cotidiana).
(en imagen: “Contemplation” de su serie “Mermaids”)

31/08/2012 16:14 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Joshua Burbank

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http://www.joshuaburbank.com/

Nacido en 1968 en Los Ángeles, California, Josué Burbank Actualmente vive y trabaja en San Francisco, California. Burbank tiene un BFA de la Universidad Academia de Arte de San Francisco y estudió escultura con el escultor argentino.

 

http://www.google.com.ar/search?q=joshua+burbank&hl=es-419&rlz=1R2GGLS_esAR463&prmd=imvnso&tbm=isch&tbo=u&source=univ&sa=X&ei=p8MeUOKkEYnm9AThxYGYBQ&sqi=2&ved=0CFsQsAQ&biw=1280&bih=503

05/08/2012 17:08 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

SULAMITH WULFING

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hoy, les compartimos el arte de SULAMITH WULFING (1901/1989)

Con cuatro años comenzó a dibujar sus visiones de hadas, ángeles, gnomos y espíritus mágicos de la naturaleza que según decía, la acompañaban e inspiraron toda su vida.
Se formó en la Escuela de Arte de Wuppertal - Alemania. Los rasgos más característicos de sus pinturas son los semblantes tristes con grandes ojos, en ricos vestidos, joyas y ornamentos, casi siempre en entornos naturales con una fuerte carga simbólica, mistica pero a la vez tierna y mágica. Todos sus cuadros son de una gran belleza y perfección en sus líneas y encuadres.
 
 
04/08/2012 02:32 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Miguel Covarrubias

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 “Ofrecimiento de frutas al templo” (1932)

(Ciudad de México, 1904-1957) Pintor, ilustrador y diseñador de decorados teatrales. Desde 1919 optó por el oficio de caricaturista, la primera de sus habilidades de las que se tiene noticia detallada. En la adolescencia su precocidad lo acerca al medio artístico, y, con la timidez que refieren sus coetáneos, frecuenta el círculo de Diego Rivera, el Dr. Atl, Roberto Montenegro, Dávid Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, Manuel Rodríguez Lozano y Adolfo Best Maugard. Covarrubias es, por antonomasia, el Chamaco, el jovencito que prodiga caricaturas de artistas y figuras del espectáculo, el que se educa en la ronda de conversaciones con los pintores y escritores, y en la frecuentación de los "museos" en que para él se convierten los negocios de anticuarios y los estudios de pintores. Allí la observación y el trabajo incesante formalizan su educación informal.

Seguir leyendo:http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/covarrubias_miguel.htm

13/07/2012 00:55 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Georges Braque

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Georges Braque dijo una vez que "mientras la ciencia tranquiliza, el arte perturba". Y creemos que, efectivamente, sus cuadros cubistas tienen un toque perturbador. ¿Estáis de acuerdo?

En esta obra podemos ver como Braque pasa por una fase de cubismo analítico, en la que los objetos quedan descompuestos hasta el punto de ser irreconocibles.

 

Georges Braque

(Argenteuil, Francia, 1882-París, 1963) Pintor francés. Hijo de un pintor de brocha gorda, oficio que siguió en un principio, Braque estudió a partir de 1900 en la Escuela de Bellas Artes de París y hacia 1906 se adhirió al fauvismo, bajo la influencia de su amigo Othon Friezs, con obras como El embarcadero del puerto de l'Estaque.


Georges Braque

En 1907, una exposición de Cézanne y el encuentro con Picasso pusieron a Braque en la senda del cubismo, tendencia de la que es cofundador. Desde entonces hasta su movilización en la Primera Guerra Mundial, trabajó en estrecha colaboración con Picasso, dando vida a la fase llamada cubismo analítico (Naturaleza muerta con instrumentos musicales), y más tarde a la denominada cubismo sintético (Vaso y violín).

A diferencia de Picasso, que plasmó con frecuencia la figura humana, Braque prefirió, a lo largo de toda su trayectoria artística, la naturaleza muerta, en la que introdujo novedades significativas, como el empleo del collage o la incorporación de letras y números. En sus bodegones cubistas juega con el espectador, invitándole a reconstruir los objetos a partir de las diversas perspectivas que de ellos introduce en sus obras.


Violín y jarra (1910), de Georges Braque

Después de la guerra de 1914-1918, el artista prescindió de los trazos angulosos y las líneas fuertemente geométricas de su etapa anterior para inclinarse hacia la línea curva en un nuevo repertorio de temas: los Guéridons (naturalezas muertas sobre una mesa redonda), las Pequeñas chimeneas (1919-1927), las Canéforas (1922) y, sobre todo, los Ateliers (1948-1955), donde recrea ambientes interiores en clave simbólica. Braque, que fue también ilustrador, escenógrafo, escultor y grabador, alcanzó un importante reconocimiento en vida y dejó una profunda huella en el desarrollo de la pintura.

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/braque.htm

 

http://www.google.com.ar/search?q=georges+braque&hl=es&rlz=1R2GGLS_esAR463&prmd=imvnso&tbm=isch&tbo=u&source=univ&sa=X&ei=auHKT7iLM5Cs8QTK2L2CDw&sqi=2&ved=0CHgQsAQ&biw=1280&bih=565

 

03/06/2012 02:05 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Gustave Klimt

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¿Pareja de hecho o simplemente amigos? Muchos especialistas consideran que entre Gustav Klimt y Emilie Flöge, a la que pintó en este retrato, había algo más que una simple amistad, llegando incluso a hablar de amor libre.

En el cuadro Emil...ie aparece vestida con un elegante traje azul, adornado con formas típicamente modernistas, destacando su altura y esbeltez.
 

El beso (1907-1908), de Gustav Klimt

Written by Patricia OrdóñezFriday

Al verlo, ¿quién no se pregunta qué representan las dos figuras? ¿O qué es el espacio que las rodea? Su peculiar estilo y las incógnitas que abre han hecho de esta obra una de las más significativas del arte del siglo XX.

Símbolo de La Secesión vienesa

En 1897 [[Gustav Klimt|Klimt]] fue escogido presidente de La Secesión, movimiento artístico alternativo al arte conservador que había en la Viena de fin de siglo. Un grupo de artistas innovadores decidieron seguir con el ejemplo de otros movimientos europeos y dar un vuelco al arte y la cultura de su país, demasiado puritana y anticuada. Es así como nació La Secesión y con ella un arte revolucionario, lleno de formas y temas sugerentes. Klimt revelaría este espíritu a través de su pintura. El beso refleja la esencia de lo que predicó el grupo, y Klimt no perdió la oportunidad de ofrecer aquello que había aprendido y desarrollado años antes. Pese a las duras críticas de la aristocracia conservadora, el público lo recibió con gran entusiasmo, convirtiéndose en uno de los símbolos de La Secesión y de la Viena de principios de siglo.

Seguir leyendo:

http://www.portaleureka.com/accesible/arte/238-el-beso-klimt

17/05/2012 00:43 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Mundo Magico el de Leonid Afremov

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 Biografía Leonid Afremov nació en 1955 en la ciudad de Vitebsk, Bielorrusia. Leonid nació en el mismo pueblo en el que nació Marc Chagall , el famoso artista que fundó la Escuela de Arte de Vitebsk junto con Malevich & Kandinsky. Leonid Afremov se graduó en la Escuela de Arte de Vitebsk en 1978 y es uno de sus miembros de élite. El artista tiene su propio y único estilo. No utiliza los pinceles para pintar, utiliza una espátula. Originales, luminosos, coloridos y con estilo propio, sus paisajes del campo, la ciudad y sus personajes han sido aclamados mundialmente. En 1990 se fue a Israel en donde vivió por varios años de donde se mudó a su hogar actual en Boca Raton , Florida.

Leonid Afremov en sus propias palabras : “ He probado diferentes técnicas durante mi carrera, sin embargo yo me enamoré de la pintura de aceite aplicada con espátula. Cada obra de arte es el resultado de un largo proceso, cada lienzo va naciendo durante la búsqueda creativa de la obra, cada pintura está llena de mi mundo interior. Cada una de mis pinturas transmite un diferente estado de ánimo, diferentes colores y emociones. Yo adoro expresar la belleza, la armonía y el espíritu de este mundo en mis pinturas. Mi corazón está completamente abierto al arte. Por eso, yo disfruto el crear inspiradas y bellas pinturas desde el fondo de mi alma. Cada una de mis pinturas refleja mis sentimientos, sensibilidad, pasión y la música de mi alma. El arte verdadero es vivo e inspirado por la humanidad. Yo creo que el arte nos ayuda a liberarnos y le da paz a nuestro espíritu.”

 

http://www.slideshare.net/Aavmvazquez/leonid-afremov-biografia-y-pinturas

https://www.google.com.ar/search?hl=es&rlz=1T4GGLS_esAR463AR463&q=leonid+afremov+pinturas&gs_upl=0l0l0l5925lllllllllll0&um=1&ie=UTF-8&tbm=isch&source=og&sa=N&tab=wi&ei=14GoT4DZHsW9twe1u-SKAw&biw=1280&bih=565&sei=7IGoT-u5CJGe8QStxt2LDA

08/05/2012 00:25 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Teselas

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4. Introducción: El proyecto se desarrollará de acuerdo al tema de teselas, esto es un método que se utiliza para poder formar mosaicos a partir de figuras regulares y estas en algunas ocasiones se van modificando como es el caso de la teselación que pretendemos hacer, en este ejemplo se utilizarán como base el triangulo, así como el hexágono, también se realizarán algunos cortes, y éstos se unirán para lograr formar una teselación de mariposas.

Seguir leyendo y ver video:

http://www.slideshare.net/MSYXO/presentacin-teselas-upn

29/04/2012 03:02 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Franz Marc

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https://www.google.com.ar/search?q=franz+marc&hl=es&rlz=1T4GGLS_esAR463AR463&prmd=imvnso&tbm=isch&tbo=u&source=univ&sa=X&ei=viaST67CO4y3tweJ05TDCQ&ved=0CEEQsAQ&biw=1280&bih=565&sei=wiaST9aXFYjFtgfLpNXCCQ

Munich, 1880-cerca de Verdún, Francia, 1916) Pintor alemán. Cursó estudios de filosofía y teología y, entre 1899 y 1903, estudió en la Academia de Bellas Artes de Munich. Viajó por Italia, Grecia y Francia; en París descubrió la pintura fauvista, que tuvo una gran influencia en su estilo. Desde 1906 comenzó a estudiar la anatomía de los animales detalladamente, labor a la que consagraría toda su carrera artística. Para Marc, los animales encarnan la belleza pura, y es a través de la naturaleza como se busca la espiritualidad.

En 1910 entabló amistad con August Macke y Vasili Kandinsky. Con este último coeditó el primer ejemplar de Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), publicación que dio nombre a un grupo artístico cuyos miembros matizarían el primer expresionismo alemán con un misticismo y sensibilismo que les acercaría a la abstracción. Aunque tenía una concepción del color análoga (si no idéntica) a la de Kandinski, Franz Marc no llegó nunca a la disolución casi total de la forma figurativa que caracterizó la obra del ruso entre 1911 y 1914. Por el contrario, mantuvo sus motivos pictóricos de tipo naturalista (sobre todo, animales), aunque basó más su pintura en la explosión sinfónica de los valores psicocromáticos.


Tigre (1912), de Franz Marc

En un primer período su obra fue plenamente figurativa; más adelante su trabajo se vería afectado por el cubismo, lo que le llevaría a la fragmentación de planos en la que animales y entornos se entrelazan entre sí, como en Tigre (1912) o Caballo soñando (1913). Esta investigación le condujo hacia una mayor complejidad constructiva, favoreciendo la abstracción y reduciendo su interés por la viveza cromática tan característica de sus anteriores pinturas.

Además de los escritos que publicó en Der Blaue Reiter, entre sus ensayos destacan Bienes espirituales y Los fauves alemanes, así como la obra Cartas, notas y aforismos, que contiene recuerdos, meditaciones, cartas escritas durante la guerra (la mayor parte a su esposa María) y los cien aforismos anotados en el frente durante el año 1914. Su carrera quedó truncada por la Primera Guerra Mundial, durante la que falleció en el frente de Verdún.

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/marc.htm

21/04/2012 01:22 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Prefiere que lo llamen un Pintor que toca la Guitarra

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http://youtu.be/cmPyxTdRasU

Ron Wood de los Rolling Stones va a mostrar sus obras de arte plástico en una exhibición en Londres el próximo mes.

La muestra, que responde al nombre Ronnie Wood’s Faces, Time And Places, va a constar de 100 cuadros y pinturas creados bajo la mano del guitarrista que podrán ser vistos desde el 7 hasta el 12 de Noviembre en The Gallery in Cork Street.

Con los preparativos y la selección que la exposición de retrospectiva requiere, Wood brindó sus palabras a The Observer y, sobre su facilidad con la pintura pronunció:

La gente no sabe que soy un artista. Tocar música como parte del esfuerzo de un equipo es maravilloso pero expresar individualidad como un artista es muy personal. El arte es más poderoso, es una declaración individual’.

El envión para que hiciera pública su faceta como pintor parece que vino de varios amigos: en primer lugar del artista conceptual Damien Hirst, quien lo apoyó en su carrera comprándole material para que se expresara libremente a través de sus rasgos gestuales.

Hirst podría haber decorado toda una escuela de arte con los pinceles, bocetos y material que tiene. Me dijo: ‘Ahora no tenés excusa

Y el multimillonario americano Bernie Chase, que es poseedor de gran parte de sus trabajos y se ofreció como co-curador de la muestra expresó: ‘Ronnie tocó y mantuvo amistades con todos: George Harrison, Jimi Hendrix, Eric Clapton, Pete Townshend, todos rockeros icónicos. Su arte explica la historia del rock and roll’.

Los comentarios de varios expertos y aficionados a la pintura lo respaldan en esta veta artística:

Sir. Peter Blake de la Academia Real manifestó que Wood merece ser tomado en cuenta como un artista serio: ‘Creo que la gente no le dio crédito porque es una estrella de rock, pero dibuja y pinta muy bien’.

Mientras que Edward Lucie-Smith, un historiador de arte dijo: ‘Ronnie está en el vuelo más alto como músicos, pero también es un artista completamente entrenado, y lo demuestra’.

Wood tiene estudios de arte y un atelier fijo en Londres, aunque regularmente se traslada por otras partes de Europa para estudiar las obras de los grandes maestros de la pintura y buscar en ellos inspiración. Regularmente se lo ve por Madrid contemplando las obras de Goya y Velázques o en París, de visita por el Musée D’Orsay.

Acá pueden apreciar algunas de pinceladas de su talento, que pese a ser parte de otra disciplina artística, nunca pierde el rasgo rockero, dado por el objeto que decide retratar y por la fuerza dinámica del color:

pierde el rasgo rockero, dado por el objeto que decide retratar y por la fuerza dinámica del color:

http://www.ultrabrit.com/2011/10/31/ron-wood-de-los-rolling-stones-exhibe-sus-obras-de-arte-en-una-muestra/

11/04/2012 00:21 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Toulouse Lautrec

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Si viajas a Francia, no dejes de visitar el museo Toulouse-Lautrec, que ayer abrió sus puertas tras una década de restauraciones. http://bit.ly/Hcqybf

03/04/2012 13:04 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Acuarelas de Jorge Carcavallo

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Antecedentes

Nace en Montevideo, Uruguay

Cursa bachillerato de arquitectura realizando aprendizaje de dibujo lineal y natural; primeros contactos con técnicas de color, acuarela, pastel y témpera.

Breve pasaje como docente de dibujo técnico en la Universidad del Trabajo del Uruguay.

Desde el año 1996 curso de acuarela en el taller Arte-Club con el maestro Dante Piccarelli y desde 1998 curso de dibujo y pintura con el maestro Oscar Larroca, ambos artistas reconocidos mundialmente.

Curso "Apreciación de la Obra Artística, del Neolítico al Pop Art" a cargo del maestro Oscar Larroca.

Desde 2005 curso de Oleo con el maestro Aldo Curto.

Para seguir leyendo:http://www.judithcorsino.com/jorge_carcavallo.htm

 

25/03/2012 20:07 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Cristina Penescu

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Cristina Penescu nació en Bucarest, Rumania, 1988. Su familia se mudó a California cuando Cristina fue un año de edad. Desde temprana edad, su pasión por el arte y la naturaleza fue muy evidente. Cuando era niño le encantaba coleccionar libros sobre los animales y pasar su tiempo al aire libre en la naturaleza. Cristina ha experimentado con una variedad de medios y estilos, y recientemente ha hecho la transición a la vida silvestre del arte realista, que se siente siempre ha sido su verdadera vocación en la vida. A ella le gusta pintar una amplia variedad de temas de vida silvestre, sin embargo, los cánidos salvajes, especialmente los lobos, tienen un lugar especial en su corazón y han sido un tema recurrente en su arte desde la infancia. Cristina se ha tenido ningún entrenamiento formal y es un artista autodidacta. Ella tiene experiencia de trabajo en una variedad de medios, sin embargo ella prefiere acrílico y scratchboard. Su obra es muy detallista y que pretende acercar al espectador una de cerca, visión íntima de la naturaleza. Ella espera inspirar al mundo a través de sus representaciones de la belleza natural que nos rodea. Cristina se encuentra actualmente en el comienzo de su carrera como artista de la vida silvestre bien, pero ya ha comenzado a crear un nicho para sí misma en el campo. Recientemente fue aceptado como miembro de la Sociedad de la firma de renombre mundial de Artistas de Animales. Cristina es también miembro de los Artistas para la Conservación y el Marwell International Wildlife Art Society.

 

http://www.gran-angular.net/las-pinturas-hiperrealistas-de-cristina-penescu/2011/12/18/

 

http://www.wild-visions.com/artist.html



 

 

 

18/03/2012 21:14 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Milo Lockett

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Una vida dedicada al arte

 
Milo Lockett es un artista plástico chaqueño, autodidacta, que comenzó su carrera luego de trabajar varios años en la industria textil.

En 2002 cerró su fábrica y estampadora textil, y abandonó completamente sus actividades empresariales para dedicarse por entero a la pintura.

De nacionalidad argentina, nacido el 1 de Diciembre de 1967, vive y trabaja en Resistencia, su ciudad natal. Desde su taller, situado en Irigoyen 456 “B”, Milo logró crear en poco tiempo, una identidad pictórica que lo convirtió en un éxito de ventas sin precedentes.

Sus referentes se encuentran en la obra de Jorge de la Vega, Nigro, Macció y Deira.

El público de Milo Lockett abarca desde grandes coleccionistas a jóvenes empleados y profesionales que están buscando su primera obra de arte.

Milo Lockett dona anualmente un promedio de 40 obras para subastas a beneficio del Hospital Pediátrico de Resistencia, trabajo realizado con adolescentes dentro de un proyecto de prevención de HIV - Cruz Roja Argentina. Además, ha colaborado para UNICEF en el proyecto “Un Minuto por mis Derechos” en el 7º Encuentro de Niños y Jóvenes escultores bajo el tema “Los Monstruos de Berni y Juanito Laguna”. Ha realizado talleres masivos de pintura al aire libre en el Festival de la Triple Frontera, Paraguay, Brasil y Argentina, Chaco, Jujuy, Corrientes, Misiones, Santa Fe y Buenos Aires.

http://www.milolockett.com.ar

 

11/03/2012 13:50 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Pablo Picasso

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http://youtu.be/QMNhehiAswM

Pablo Ruiz Picasso nació en Málaga en 1881 y murió en Moulins (Francia) en 1973. Era un artista español, hijo de José Ruiz Blasco. En 1895 se trasladó con su familia a Barcelona.
Entre 1901 y 1904 vivió en Madrid, Barcelona y París, mientras su pintura entró en la etapa dominada período azul. En la primavera de 1904 Picasso decidió trasladarse definitivamente a París y establecerse en un estudio en las riberas del Sena. Mientras, su pintura experimentó una nueva evolución, el período rosa.
Fue el creador del cubismo.
http://portafolio5a.blogspot.com/search/label/biograf%C3%ADa

29/02/2012 01:16 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Mucha creatividad en estas pinturas!

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Arbol Genial Lógico

 

Una idea que fue surgiendo con el pincel en la mano...sin condicionamientos, sin modelos, sólo óleos, el bastidor, mis pinceles y mi mente completamente en blanco...bueno mejor dicho en colores! creo que el resultado me sorprendió y mucho...resultó ser un mandala! es que a veces los recuerdos de lo que uno vió quedan en el inconciente y salen cuando menos lo esperamos. A mi me gusta...espero que a ustedes también! Saludos.

http://pintarconelalma.blogspot.com/

24/02/2012 00:02 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

La Gioconda

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El Museo del Prado presentó ayer la restauración de la copia de la Gioconda que conserva en sus colecciones. Se trata de la versión más importante del retrato de Leonardo da Vinci y es obra de alguno de sus discípulos. http://www.artelista.com/ articulos/2012/02/8802/la-gioconda-del-museo-del-prado.html

El historiador italiano desvela la verdadera historia de La Gioconda, el retrato más famoso del mundo.

“Este libro lo llevo dentro de mí desde hace muchos años, desde el momento en que leí, en 1994, el Kunststück que Frank Zöllner dedicó al celebre cuadro de Leonardo. Sus conclusiones, que son las generalmente aceptada, aunque con alguna excepción muy rara, no me convencieron en absoluto, y por varias razones.”

Empezando por la conclusión del autor del libro, podemos llegar a comprender lo complejo de la trama histórica, investigada con rigor intelectual y científico, que permite a Roberto Zapperi afirmar sin lugar a duda que el comitente del cuadro de Leonardo da Vinci fue Giuliano de Medici. Giuliano encargó al artista un retrato imaginario de su amante fallecida, desmontando la tesis que indicaba Lisa Gherardini, mujer del mercader florentino Francesco del Giocondo, como la protagonista del cuadro.

Se trata en realidad, según el historiador, de la difunta Pacifica Brandani, madre del hijo natural de Giuliano de Medici, Ippolito, a quien quiso regalar una efigie de su madre, que nunca había conocido.


En abril de 1515 Giuliano de Medici encargó a Leonardo da Vinci el retrato de la dama de Urbino,

la Gioconda, según la tradición florentina de los retratos de los parientes difuntos, una practica seguida también por los Medici. Pero como no tenía ninguna imagen de ella dejó libre a Leonardo da Vinci de dibujar su fisionomía, sobre la base de su descripción sumaria y aproximada.

El origen del retrato más famoso de la historia

Giuliano de Medici conoció Pacifica Brandani durante su estancia en Urbino y cuando en 1511 se marchó de la localidad estaba convencido que el niño que la mujer esperaba no era el suyo. Al dar a luz la dama de Urbino murió y el bebé fue primero alojado en el Orfanato, administrado por la cofradía de Santa Maria del Pian di Mercato y , finalmente, confiado a la familia de Bartolomeo di Giorgio de Monteguiduccio, una localidad vecina a Urbino

 

Sin embargo, pocos meses después Giuliano se presentó para reconocer a la criatura como hijo natural y eligió para él el nombre de Ippolito, respetando por un lado la tradición de los Medici de elegir para los hijos naturales nombres extraños a la tradición familiar y por otro lado, apuntó hacia aquella tradición mitológica que tanto apreciaba y que le hubiera permitido declarar su amor hacia la desaparecida Pacifica Brandani, aludiendo al mito de Teseo y de su hijo Ippolito.

Mona Lisa, adiós

Giuliano de Medici, el mecenas de la Gioconda murió en 1516 y el retrato nunca fue entregado a su hijo Ippolito. El cuadro quedó en manos de Leonardo da Vinci que se lo llevó a Francia y lo terminó de su propia invención. Allí, en París, La Gioconda, retrato imaginario de mujer, según Zapperi, quedó hasta hoy, donde se puede contemplar en el Museo del Louvre.

El nombre del cuadro Gioconda, es decir que da alegría, vivifica y reconforta, se debe a la sonrisa de la mujer ideal pintada por Leonardo. Según Zapperi de esto se trata, de una mujer ideal pintada por el artista que comprendió lo que Giuliano de Medici deseaba y dedicó su retrato al tema de la maternidad.

Roberto Zapperi, el autor del libro

Roberto Zapperi es un historiador italiano que ha dedicado sendas páginas a estudios monográficos sobre grandes artistas italianos del Renacimiento y del Barroco, como Tiziano, los Carracci o a personajes del calibre de Goethe. Sus estudios siempre rigurosos han puesto en muchos casos en tela de juicio los conocimientos conformistas de las academias culturales. En este sentido no es un caso que su libro sobre la “Gioconda” todavía no esté publicado en italiano.

El libro “Adiós, Mona Lisa”, publicado en lengua española en 2010 por Katz difusión, se convierte ahora en una obra de referencia obligada para todos los que quieran profundizar el entramado histórico de La Gioconda, el cuadro más famoso del mundo y de su “prima” La Gioconda del Prado recién restaurada en la pinacoteca madrileña.


http://sabina-chiara-steri.suite101.net/adios-mona-lisa-un-libro-de-roberto-zapperi-a76363

22/02/2012 08:13 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Alberto Burri, arte abstracto

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http://www.google.com.ar/search?q=alberto+burri&hl=es&rlz=1T4GGLS_esAR463AR463&prmd=imvnsob&tbm=isch&tbo=u&source=univ&sa=X&ei=HmtET4-XEdHiggeu56ChBA&ved=0CDYQsAQ&biw=1280&bih=519

Alberto Burri nació en Città di Castello, dentro de la provincia de Perugia (Umbría), en 1915. Entre 1934 y 1939 estudió medicina, obteniendo la titulación en 1940 de la Universidad de Perugia y fue médico militar durante cuatro años en la Segunda guerra mundial. Después de que su unidad fuera capturada en el Norte de África, fue internado en un campo de prisioneros en Hereford, Texas en 1944, donde comenzó a pintar. Después de su liberación en 1946, Burri se trasladó a Roma y se dedicó en exclusiva a la pintura; su primera exposición individual tuvo lugar en la Galería La Margherita en 1947. Después expuso en la Galería Malborough de Nueva York y en la galería de France de París.

Alberto Burri, a la derecha

En 1951, junto con otros artistas como Giuseppe Capogrossi o Ettore Colla fundó en Roma el grupo «Origen», en cuyas actividades participó. Marchó a Estados Unidos, donde impartió clases de arte desde 1953 hasta 1960. Participó en documenta 2, 3 y 7 de Kassel. Volvió a trabajar en Roma a partir de 1960. Su primera exposición retrospectiva se celebró en la Bienal de Venecia de 1960; en 1972 se celebraron retrospectivas en Turín y París.

Burri recibió la Orden del mérito italiano en 1994. Città di Castello lo recuerda con un gran museo permanente de sus obras.

http://es.wikipedia.org/wiki/Alberto_Burri

22/02/2012 01:17 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Vidrios

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Maria de la Encarnacion Perez Barrientos

http://www.artelista.com/obra/3114751459107034-vidrios.html

18/02/2012 20:54 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Pintores impresionistas

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Charles Malfroy

Charles Malfroy es un pintor francés, nacido a Lyon en 1862 y muerto en 1918.

Su obra

Charles Malfroy se sitúa en la raza impresionista-expresionista de un Juan-Bautista Aceituna. Atraído por la luz de los puertos mediterráneos, sobresalió en vistas de Costa Azul y de Bouches-du-Rhone, en particular del puerto de Martigues. Tiene también pintados algunos cuadros de Venecia.

Demuestra una gran virtuosidad en los efectos atmosféricos con un feliz matrimonio de los tonos y de grandes calidades plásticas.

Sus obras y su cuota

  • Barcos en un puerto mediterráneo, aceite sobre tela, 49,8x91,4 cm
  • Canon en Venecia, aceite sobre tela, 98x146 cm
  • Una Esquina del Puerto, aceite sobre tela, 65x92Constantinopla, aguada en grisalla, 47x81 cm, numerada 3 200 € en marzo de 2004
  • Lugar en Provence, aceite sobre el panel, 32,5x41 cm, La gama del Lecques en la Variedad, aceite sobre tela, 41x66 cm

 

http://www.multilingualarchive.com/ma/frwiki/es/Charles_Malfroy

http://www.google.com.ar/search?hl=es&rlz=1T4GGLS_esAR463AR463&q=charles+malfroy+obras&um=1&ie=UTF-8&tbm=isch&source=og&sa=N&tab=wi&ei=9gkRT9CmB4PHtgeE3amqBA&biw=1280&bih=519&sei=-AkRT-WuNZTatgfXstGBAg

14/01/2012 01:54 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Pintura Abstracta

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La serie se acerca a la joya de los conflictos entre la belleza de las piedras preciosas y el costo en que se extraen - ambientales y humanos.  Vivimos en un mundo en un tiempo, en nuestro propio placer y la necesidad de lujo y belleza, darle prioridad sobre los derechos y necesidades de los demás.  En un clima político de la arrogancia, la ignorancia y la codicia a costa de prácticamente todo el mundo, pero el más rico y poderoso, el papel del arte una vez más ha adquirido una importancia radical.  Los artistas deben ser firmes y dar a la sociedad un espejo para reflejar que es oscura obsesión con el poder, el poder y el patriotismo equivocado.

Con esta serie espero que para provocar la idea de que la belleza pura no tiene ningún valor. La belleza no es sólo algo que usted puede comprar, tiene un costo que no es monetario y que incluso los más ricos no pueden pagar. 
Esta serie pide al espectador que es no comprar piedras preciosas, cuando se extraen a costa del medio ambiente y los trabajadores y los residentes locales.  Proponiendo en su lugar para tomar una decisión inteligente e informada y para animar a los consumidores y la industria para encontrar métodos más adecuados de la minería.

http://translate.google.com.ar/translate?hl=es&langpair=en%7Ces&u=http://www.annestahl.com/

04/01/2012 00:40 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Tapices

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El tapiz (del francés, tapis) es una obra de tejido tradicionalmente hecha a mano en la que se producen figuras semejantes a las de un cuadro utilizando hilos de color.

Desde su origen remoto servían para abrigar las paredes en tiempo frío, evitando la radiación fría (mejor dicho, la absorción de la radiación infrarroja emitida por el cuerpo humano, que enfría la piel) y, por lo tanto dar sensación de calor en las estancias. Así pues, lo más probable es que los primitivos tapices fueran simplemente un paño grueso, colgado de las paredes o extendido en el suelo. Con el tiempo, fueron convirtiéndose en objetos suntuarios, con decoración, y en auténticas obras de arte.

http://es.wikipedia.org/wiki/Tapiz

http://www.puebloindio.com.ar/tapices.html

http://www.welcomeargentina.com/elcalafate/recuerdos-calafate.html

19/12/2011 00:33 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Pintor cubano Denis Nuñez Rodriguez

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Acercarnos a la obra del Pintor Denis Nuñez constituye de inicio un juego de efectos , la misma sensación que nos atrapa al abrir de golpe la única ventana de una somnolienta habitación hacia la claridad del día; una figuración realista que atrapa al espectador, virtuosismo técnico y una esmerada factura son las primeras luces que cuestionan la ingenuidad del espectador, pero cuidado, al acomodarse nuestras pupilas estaremos en condiciones de ver en profundidad el valor sicológico de un lenguaje donde poco o nada es gratuito.

...Seguir leyendo en :

http://denispintor.blogspot.com/2009/02/arbol-serpiente-y-mujer-oleo-sobre.html

http://www.google.com.ar/search?tbm=isch&hl=es&source=hp&biw=1280&bih=574&q=denis+nu%C3%B1ez+rodriguez&gbv=2&oq=denis+nu%C3%B1ez+ro&aq=1&aqi=g1&aql=&gs_sm=c&gs_upl=2018l24412l0l26670l19l19l1l5l5l1l360l2714l1.4.3.4l13l0

26/08/2011 14:14 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Dibujo contemporáneo

Caminando el viejo camino del dibujo con zapatos nuevos

 

Por Sol Astrid Giraldo
Una de las tendencias más claras del arte contemporáneo ha sido su renuncia al objeto por privilegiar el proceso del cual surge el hecho artístico. Es un terreno donde importan más los procesos formativos y de constitución que la obra terminada, donde se subraya el polo mental, donde como ha dicho Duchamp, el arte se concibe no tanto como una cuestión de morfología como de función, no tanto de apariencia como de operación mental, donde lo que interesan son los proyectos, los procesos, las relaciones, los juegos mentales, las asociaciones, las comparaciones, donde se desplaza el énfasis sobre el objeto a favor de la concepción, donde la ejecución es irrelevante.

 

Este cambio de énfasis del polo material al mental ha tenido como una de sus principales damnificadas a la pintura, cada vez menos presente en la escena actual. Sin embargo, mientras la pintura más se apaga, la sensibilidad contemporánea ha presentado una vigorosa reconexión con el dibujo. No se trata sólo del dibujo expandido, ese que ha buscado salirse de los soportes y materiales tradicionales para llegar al diseño, la arquitectura, los comics, la ilustración, el graffitti, la pintura sobre el cuerpo, el computador, el internet; sino del dibujo esencial, el del lápiz sobre el papel que hoy después de 500 años se está practicando vigorosamente, sin prejuicios ni pudores de anacronismo, como si recién se hubiera descubierto.

Seguir el enlace para leer mas:

http://www.m3lab.info/portal/?q=node/2928

 

04/08/2011 20:37 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Pinturas

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Ricardo G. Silveira

http://gbca2.tripod.com/rs/

19/06/2011 01:06 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Por qué pinto?

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Realizo las obras de arte porque a través de ellas expreso la pasión y el deseo que volcados en el lienzo me permiten una conexión profunda con mis sentimientos, y la sensación de lograr atrapar en un instante algo que quedara por siempre plasmado a través de un color, una forma, una mancha.

http://www.ana-cabrera.com/

15/05/2011 02:25 Gris zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

¿Y si La Gioconda fuera un ragazzo?

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Alicia de Arteaga |

 

Una escalada mediática dio cuenta en las últimas semanas de otra de las intrigas que rodean al cuadro de la sonrisa enigmática, la pintura más importante y conocida de las colecciones del Museo del Louvre. ¿Cuál fue el destino de los restos de la modelo de La Gioconda ? ¿Dónde está la tumba de la musa inspiradora?

Mientras los investigadores y el Comité Nacional para la Valorización de los Bienes Culturales, Históricos y Ambientales siguen los rastros de los restos, se abre un nuevo capítulo en torno a la identidad del modelo que inspiró a Da Vinci. ¿Y si la musa del Leonardo fue un ragazzo y no una madonna ?

La versión circuló en el invierno boreal a partir de una nota de David Zurdo en las páginas del madrileño El Mundo.

A las conjeturas, se suman una serie de pistas que Leonardo dejó impresas en el cuadro más famoso y copiado del mundo. El "diablillo" que se esconde detrás de la Monna Lisa , asegura el periodista español, no sería otro que Salai, un amigo íntimo del artista, casi un adolescente, con quien compartió sus últimos años. El discípulo, joven y con rizos, que fue el modelo "probado" del retrato de San Juan Bautista, tiene la misma sonrisa de La Gioconda .

Dicen que Leonardo sólo guardó dos cosas hasta el fin de sus días: un cofre que se abrió después de su muerte y la Monna Lisa . Amaba esa pintura de pequeño formato realizada sobre madera de álamo, que estuvo colgada en los aposentos reales de Francisco I y hoy forma parte de la pinacoteca gigantesca del Museo del Louvre. Es la referencia obligada cuando se habla de pintura y garantiza una visita al Louvre, como sucede con el Guernica , en el Reina Sofia o con Las meninas , en el Prado.

La historia cuenta que un siglo después de ser exhibido por primera vez, una limpieza de la tela dejó al descubierto el paisaje que estaba detrás de la dama de la sonrisa serena. Era una vista de la Toscana, tan serena como la sonrisa atribuida a Lisa Gherardini, más conocida como la Monna Lisa, florentina de alcurnia, casada con el empresario textil Francesco del Giocondo.

También circulan otros nombres: una amante de Giuliano de Medici, la madre de Leonardo, Isabella d’Este, y, remata Elisabetta Piqué, corresponsal de La Nacion en Roma, hasta el mismo Leonardo travestido de mujer.

Secretos múltiples en un lienzo eterno. Si un siglo después de pintado apareció un paisaje? la misteriosa tela puede seguir aportando información. Leonardo da Vinci habría pintado el cuadro entre 1503 y 1506. Desde 1490 vivía en su "bottegga" Gian Giacomo Capriotti, el ragazzo se convirtió rápidamente en su modelo predilecto, hasta el punto de prestar sui rostro, para el retrato de San Juan, el Bautista.

Leonardo lo bautizó con el apodo de Il Salaiano, el Salai, traducido como El Diablillo, por su conducta y hábitos díscolos. Ultimo dato: en diciembre de 2010 pruebas digitales determinaron que detrás de los ojos se esconden una L y una S. ¿Críptico mensaje de Leonardo al joven Salaiano?

aarteaga@lanacion.com.ar

Twitter: @alicearte.com

15/04/2011 01:09 Gris zabala #. PINTURA, DIBUJOS Hay 1 comentario.

Arte Griego

El Arte Griego marca un referente para la civilización occidental que perdurará hasta nuestros días. Los modelos griegos de la antigüedad son tenidos como clásicos y los cánones escultóricos y los estilos arquitectónicos han sido recreados una y otra vez a lo largo de la historia de Occidente.

    PINTURA

Para hablar de la pintura griega es necesario hacer referencia a la cerámica, ya que precisamente en la decoración de ánforas, platos y vasijas,cuya comercialización era un negocio muy productivo en la antigua Grecia, fue donde pudo desarrollarse este arte.

Al comienzo los diseños eran elementales formas geométricas -de ahí la denominación de geométrico que recibe este primer período ( siglos IX y VIII a. C. )- que apenas se destacaban sobre la superficie.

Edipo interrogado por la EsfingeÁnfora ática, decorada con Heracles y el toro MinosAquiles y Ayax jugando a los dados
Copa Ática decorada con AtletasCorredores durante los Juegos PanatenaicosCrátera con una escena de preparación de un espectaculo teatral

Con el correr del tiempo, éstas se fueron enriqueciendo progresivamente hasta cobrar volumen. Aparecieron, entonces, los primeros dibujos de plantas y animales enmarcados por guardas denominadas "meandros". En un próximo paso, ya en el período arcaico ( siglos VII y VI a. C. ), se incluyó la figura humana, de un grafismo muy estilizado. En medio de las nuevas tendencias naturalistas, ésta cobró mayor importancia al servicio de la representaciones mitológicas.

Las escenas se organizaron en franjas horizontales paralelas que permitían su lectura girando la pieza de cerámica. Con el reemplazo del punzón por el pincel los trazados se volvieron más exactos y detallistas. Las piezas de cerámica pintadas comienzan a experimentar una notable decadencia durante el clasicismo (siglos IV y V a. C.) para resurgir triunfantes en el períodohelenístico (siglo III), totalmente renovadas, plenas de color y ricamente decoradas.

Para seguir leyendo sobre arte griego seguir este enlace de donde fue tomada la información:

http://thales.cica.es/rd/Recursos/rd98/HisArtLit/01/artegr.htm

14/04/2011 00:59 Gris zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Sung Sam Park Pintor

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Sam Sung Park nació en 1949 en Seul, Corea, donde comenzó a pintar a la edad de doce años. Su talento y habilidades docentes fueron rápidamente reconocidos y por la edad de trece años, cuando todavía era un joven estudiante de secundaria,  enseñó pintura en la escuela secundaria local.

http://www.prezentino.com/zoom.php?id=2416&tab=tab2

13/04/2011 01:20 Gris zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Un mundo mágico....(Como Nutibara)

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Joan Miró

1893 - 1983 (Barcelona, España)

Joan Miró

Nació en Barcelona el 20 de abril de 1893 en el Passatge del Credit no. 4, donde su padre tenía un taller de orfebrería y relojería, por tanto es catalán y no mallorquín como en ocasiones se dice, aunque es en Mallorca donde se traslada a vivir en 1956 y donde reside hasta su muerte en la navidad de 1983.

En 1907, siguiendo los deseos de su padre se matricula en la Escuela de Comercio de Barcelona, y además asiste a las clases de la Escuela de Bellas Artes de La Lonja, donde recibe clases de Modesto Urgell y Josep Pasco. En 1910 empieza a trabajar de contable en la droguería Dalamau y Oliveres, trabajo al que no consigue adaptarse y le provoca una crisis nerviosa. Un año más tarde, como consecuencia de la grave enfremedad que sufre se traslada a decansar a la casa de campo que su familia había adquirido recientemente en Montroig, un pueblo de Tarragona a pocos kilómetros del mar. Ahora es cuando decide dedicarse completamente a la pintura.

Se matricula en la Escola D’Art dirigida por Francisco Gali en 1912. Una academia que proponía una educación artística integral, donde además de aprender dibujo y pintura se discutía sobre la obra de Van Gogh, Cézanne, Gaugin, etc. Galí proponia tocar las cosas, los objetos, las personas para después pintarlas y dibujarlas, de forma que se ampliaba la experiencia sensorial para después ser capaces de traducir visualmente todas las sensaciones. Sus excursiones al campo no eran para tomar apuntes o esbozos, sino que se paseaba, se tocaba música, se leía poesía, etc. Es decir, se proponían unos métodos muy distintos a los académicos. También en este año conoce la obra de los Cubistas por la exposición que tiene lugar en la galería Dalmau, entre otros expusieron Gleizes, Gris, Duchamp.

En 1917, conoce a Picabia, quien se refugia en Barcelona huyendo de los efectos de la I Guerra Mundial, también conoce a Max Jacob. Es el primer contacto personal de Miró con los surrealistas, aunque ya conocía la obra de Apollinaire y Paul Reverdy.

Para seguir leyendo:

http://tierra.free-people.net/artes/pintura-joan-miro.php

Su Obra:

http://www.google.com.ar/search?q=joan+miro&hl=es&rlz=1T4GGHP_esAR418AR418&prmd=ivnsulo&tbm=isch&tbo=u&source=univ&sa=X&ei=f7SbTd3FFtC3tgees52_Bw&ved=0CC8QsAQ&biw=1259&bih=447

 

05/04/2011 22:47 Gris zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Cartapesta

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La Cartapesta es la técnica decorativa en la que se superponen trozos de papel y algún tipo de adhesivo al agua sobre una determinada superficie. La Cartapesta es la famosa técnica que se utiliza para fabricar máscaras durante los carnavales, superponiendo papeles con pegamento sobre un globo que luego se pincha.

Generalmente utilizamos la Cartapesta cuando buscamos unir y emparejar la superficie de un objeto, a la vez que se aumenta su resistencia. Para darte una idea, cuando se seca, la Cartapesta adquiere la dureza de un cartón piedra.

Para la Cartapesta pueden utilizarse diferentes tipos de papel: papel de periódico, papel higiénico, servilletas, etcétera. Lo importante es que no sea un papel plastificado. Además, es necesario cortar los trozos de papel con la mano para que sus bordes queden irregulares y se peguen mejor, formando una capa mucho más compacta y uniforme. Si la superficie a cubrir es grande, puedes cortar el papel en trozos medianos o grandes; pero si es pequeña, deberás cortarlos más pequeños para que se adapten mejor a la superficie.

El adhesivo que se utiliza en la Cartapesta es cualquiera al agua: engrudo casero (la mezcla de harina y agua), cola vinílica y adhesivo para papel mural.

La técnica en sí es muy sencilla: debes cubrir el objeto con el adhesivo e ir pegando trozos de papel, procurando que se encimen. Luego se coloca otra capa de adhesivo y otra capa de papel, y así sucesivamente hasta completar 3 o 4 capas, dependiendo de la dureza y resistencia que requiera el trabajo.

Sobre la Cartapesta terminada se puede pintar directamente o colocar una capa de pasta muro o enduído antes de aplicar el color.

http://espaciohogar.com/tecnicas-decorativas-cartapesta/

Aqui se pueden apreciar excelentes trabajos en cartapesta, sobre muebles, objetos, tapices, con calidad artística, cultural y de exportación.

http://www.puebloindio.com.ar/tapices.html

03/03/2011 12:00 Gris zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Poema Los Amantes de Julio Cortázar

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¿Quién los ve andar por la ciudad
si todos están ciegos ?
Ellos se toman de la mano: algo habla
entre sus dedos, lenguas dulces
lamen la húmeda palma, corren por las falanges,
y arriba está la noche llena de ojos.

Son los amantes, su isla flota a la deriva
hacia muertes de césped, hacia puertos
que se abren entre sábanas.
Todo se desordena a través de ellos,
todo encuentra su cifra escamoteada;
pero ellos ni siquiera saben
que mientras ruedan en su amarga arena
hay una pausa en la obra de la nada,
el tigre es un jardín que juega.

Amanece en los carros de basura,
empiezan a salir los ciegos,
el ministerio abre sus puertas.
Los amantes rendidos se miran y se tocan
una vez más antes de oler el día.

Ya están vestidos, ya se van por la calle.
Y es sólo entonces
cuando están muertos, cuando están vestidos,
que la ciudad los recupera hipócrita
y les impone los deberes cotidianos.

Julio Cortazar

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25/02/2011 12:25 Gris zabala #. PINTURA, DIBUJOS Hay 3 comentarios.

Arun_Roy- Feria del arte

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En general el color es un medio para ejercer una influencia directa sobre el alma.

El color es la tecla. El ojo el macillo. El alma es el piano con muchas cuerdas.

El artista es la mano que, por esta o aquella tecla, hace vibrar adecuadamente el alma humano.

Kandinsky
De lo Espiritual en el Arte

http://www.flecha.es/

http://www.flecha.es/Obras-de-Arun_Roy-expuestas-en-Feria-de-Arte-Flecha-2011/

17/02/2011 14:30 Gris zabala #. PINTURA, DIBUJOS Hay 1 comentario.

Dibujos....

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Joaquín Morales Molero Valdepeñas, 1964.

 

Pintor y dibujante, a partir de 1988 se especializa en el dibujo y sus diversas técnicas.

Son numerosas sus exposiciones, tanto individuales como colectivas, bien en entidades públicas o privadas, como la Galería Xeito (Madrid), Galería Sokoa (obra en depósito) en Madrid, Chagall en Mieres (Asturias) y la Goya Art Gallery de New York. En esta última, en 1995, participó en la exposición “El desnudo artístico.Obra sobre papel de los mejores especialistas”, junto a obras de reconocidos artistas como Vázquez Díaz o Revello de Toro. Sus dibujos han estado presentes en los más prestigiosos certámenes, como el “Premio Penagos” de la Fundación Cultural MAPFRE; el “Antonio del Rincón” de la Diputación de Guadalajara; el concurso internacional “Fundación Ynglada Guillot” de la Real Academia Catalana de Sant Jordi en Barcelona; el certamen “Fundación Gregorio Prieto” de Valdepeñas donde fue galardonado en tres ocasiones con sendas Medallas de la Fundación y la Feria de Arte Contemporáneo “Arte Sevilla”.

También hay que mencionar su obra gráfica, entre la que sobresale las ilustraciones en libros y revistas especializadas, como la 1ª edición de El anillo verde de Alberto Vázquez-Figueroa (Plaza&Janés), Pájaros de cuento de Cristóbal Zaragoza (Seuba Ediciones), El Quijote entre todos 2ª parte (AACHE Ediciones-Casa de la Torre. Guadalajara) o el diseño del cartel anunciador de las XLII "Fiestas del Vino" de Valdepeñas, declaradas de Interés Turístico Nacional.

 

http://joaquinmorales.blogspot.es/

05/02/2011 21:03 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS Hay 5 comentarios.

Edwin Long

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Sir Lawrence Alma-Tadema (1836-1912)

Pintor holandés que, tras estudiar en Amberes, se estableció en Londres en 1870, donde a pesar de su origen obtuvo el reconocimiento de Sir en 1899, gracias a su aportación a la pintura del Reino Unido. En vida fue considerado el más grande de los pintores de la época victoriana. Su especialidad era la pintura histórica, en un principio de la Edad Media y más tarde, tras visitar las ruinas de Pompeya, de la Antigüedad. Edwin Long fue uno de sus imitadores, y al igual que él, su obra también cayó en el olvido tras su muerte, y sólo muy reecientemente se le ha vuelto a valorar como un gran pintor.

Su pintura tiene cierta relación con el Prerrafaelismo, corriente inglesa desarrollada en la época victoriana, pero más que en las formas, en el fondo. A través de sus cuadros se intentan lanzar mensajes morales y didácticos, como por ejemplo la lucha por el decoro victoriano. En plena Revolución Industrial, estos artistan intentan disimular la cruda realidad social mediante la creación de hermosas metáforas, y pintan idílicos paisajes y situaciones del mundo medieval y clásico, tomando como elemento clave la figura femenina.

Longsden Edwin Long (nacido en 1829  , murió en 1891 ) -Británico pintor académico.

Nacido en Baños , en la infancia ha demostrado un talento para el dibujo. Estudió en la Academia Real.Tomó lecciones de Jhon Phillip , quien le animó a su  primera visita a España.Después de visitar el país con regularidad hasta 1873,  en 1874 visitó Egipto y Siria , y luego se dedicó por completo a los temas orientales

Long fue un pintor de temas históricos interesados en Biblicas y Orientales , para influir en su trabajo viajo a España y el Oriente Medio.  Valorado fue la atención a los detalles y el conocimiento del cumplimiento de los históricos . . Su pintura más famosa fue la de Babilonia Matrimonio mercado , el mercado presentó una mujer de provocación en la antigua Babilonia, la reconstrucción minuciosa de los detalles de la arquitectura , el paisaje y las costumbres de las civilizaciones antiguas.

http://www.abretelibro.com

http://pl.wikipedia.org/wiki/Edwin_Long

Imagen: El amor perdido

http://www.reprodart.com/a/long-edwin.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Edwin_Long_-_De_camino_en_Granada.jpg

 

01/11/2010 22:33 Gris Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

EL MAESTRO DEL ESCORZO, ANDREA MANTEGNA

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(Escorzo es reducir la  longitud de los objetos según las reglas de la perspectiva. Escorzo es el término usado para referirnos a un cuerpo en posición oblicua o perpendicular a nuestro nivel visual. El efecto de escorzo existe en todos los cuerpos con volumen.)

El 13 de septiembre de 1506 falleció en Mantua ANDREA MANTEGNA. Mantegna es considerado uno de los grandes impulsadores, sino uno de los creadores del escorzo como técnica pictórica. Nacido en Isola de Carturo, Padova, Italia, (1431), Mantegna fue pintor y grabador de cuadros y frescos en  los comienzos del Renacimiento italiano. Además fue contemporáneo de grandes artistas de ese período como Donatello, Ucello y Lippi.

Sus trabajos los realizó generalmente por encargo, principalmente para la nobleza italiana. Mantegna emplea un estilo de diseño penetrante y afilado que hace resaltar a sus personajes con claridad respecto al fondo de la escena. Su característica más relevante corresponde a un estilo de perspectiva muy propia, que le permite dar volumen a las figuras.

En sus primeras obras, como el Retablo de san Zeno, muestra ya una personalidad claramente definida.  Los tres elementos plásticos fundamentales (dibujo, luz y color) están perfectamente definidos, como es habitual en toda la obra de Mantegna; además, los colores son vivos e intensos, destinados a precisar con fuerza el volumen de las figuras.

Aún más famosa es la Oración en el huerto, sobre todo por el escorzo de la figura situada en primer término (Mantegna ha pasado a la historia del arte, en gran parte, por sus magistrales escorzos), y también por el magnífico empleo de la perspectiva, insuperable en aquella época. Otra de las características de su estilo, la ubicación de las escenas en el marco de arquitecturas antiguas, alcanza un elevado nivel de perfección en el San Sebastián del Louvre

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13/09/2010 08:18 Jorge Gómez A. #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Maria del Carmen Cruciani

Maria del Carmen Cruciani María del Carmen Cruciani

Galería virtual de Maria del Carmen Cruciani

Leer biografía completa

María del Carmen Cruciani, nace en Argentina, Buenos Aires, en agosto 1942. Estudió Dibujo y Pintura en los Talleres de la Profesora Marta Alonso y del Artista Plástico Juan Doffo. Realizó un Seminario de Color en el Taller de la Profesora Deli Pacosi. Estudió Arteterapia en el Taller de la Profesora y Artista Plástica Emi Hilú y Pintura, Creatividad, Análisis de Obra y Clínica de Obra en el Taller del Profesor y Artista Plástico Horacio D’Alessandro, al que concurre actualmente. Ha participado en exposiciones en el Taller La Pilarica, en el Taller de la Profesora y Artista Plástica Emi Hilú, en CGP Nº 7, en la Fundación OSDE y en Vivace. Me inspiro de los cielos, de sus colores, su intensidad atraviesa mi alma y es así como me presento frente a la tela. Mis pinturas son mis tesoros, como cada hecho de la vida que moldeo con el corazón y la sabiduría que me brinda la naturaleza. Espero que disfruten de este camino que lo comparto con ustedes, el otro que observa. Tu mirada es...

Obras de Maria del Carmen Cruciani

Ventana IV
Pintura
Ventana III
Pintura
Ventana I
Pintura
Reflejo
Pintura

Luna
Pintura
Inesperado
Pintura

01/03/2010 23:06 Griselda N.Zabala #. PINTURA, DIBUJOS Hay 1 comentario.

Juan Gris

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  Pintor español que desarrolló su actividad principalmente en París, considerado como uno de los maestros del cubismo. Su verdadero nombre era José Victoriano González Pérez. Nació en Madrid el 23 de marzo de 1887, y estudió en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad natal. Trabajó para diversas publicaciones como Blanco y Negro y Madrid Cómico. En 1906 se trasladó a París (Francia), donde conoció a Pablo Picasso y a Georges Braque. Los primeros años se ganó la vida dibujando para las revistas L Assiette du Beurre y Charavari. Sus primeras obras cubistas datan de 1912, año en el que expuso en el Salón de los Independientes de Barcelona su Homenaje a Picasso y firmó un contrato en exclusiva con el marchante Daniel-Henry Kahnweiler, que expiró en 1914. Al año siguiente pasó el verano con Picasso en Céret, Francia, periodo en el que empezó a desarrollar la técnica del papier collé (formas recortadas en papel y pegadas al lienzo). Durante la I Guerra Mundial (1914-1918) trabajó en París, donde realizó su primera exposición individual en 1919. Entre 1922 y 1924 hizo escenografías para dos ballets de Sergei Diáguilev, Les tentations de la Bergère (Las tentaciones de la pastora) y La colombe (La paloma), al tiempo que continuaba pintando. Después de 1925 utilizó sobre todo el gouache y la acuarela y realizó algunas ilustraciones para libros. Durante la década de 1920 empeoró seriamente su salud y murió, con apenas cuarenta años, en Boulogne-Sur-Seine el 11 de mayo de 1927. Un ejemplo típico de su técnica de papier collé es Vasos y periódico (1914, Museo de Arte del Smith college, Northampton, Massachusetts, Estados Unidos). Parte de sus pinturas cubistas son naturalezas muertas, entre las que se incluyen Guitarra y botella (1917, Museo de Arte de Filadelfia, Estados Unidos), El tablero de ajedrez (1917, Museo de Arte Moderno, Nueva York, Estados Unidos) y Botella y frutero (1919, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, España). También trató otros temas, como muestra en El fumador (1913, Museo Thyssen-Bornemisza). Sus teorías pictóricas se encuentran recogidas en numerosos artículos y conferencias.

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=261

http://www.spanisharts.com/reinasofia/e_gris.htm

10/01/2010 23:06 Griselda N.Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

RIVERA: DEL CUBO AL MURO

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El nombre original del muralista mexicano es tan largo que ocupa dos líneas, así que nombrémoslo como lo hace todo mundo: Diego Rivera. Y este nombre está cálidamente asociado con todo lo que significó la revolución del movimiento muralista mexicano y con nombres como los de Alfaro Siqueiros, Clemente Orozco y Rufino Tamayo.

Rivera había nacido el 8 de diciembre de 1886 y después de realizar sus estudios tradicionales de pintura y dibujo, nos lo encontramos en París codeándose con figuras como Pablo Picasso, Alfonso Reyes y Ramón del Valle –Inclán. Igualmente se interesa y practica el cubismo durante varios años. Asimismo, tiene oportunidad de conocer a los futurista y postimpresionistas, así como la pintura italiana del Renacimiento de la cual le atrae primordialmente la pintura de frescos.  

A todo esto, podríamos agregar su educación política dentro del Partido Comunista la cual lo dotó seguramente de una profunda y sincera sensibilidad frente a los desposeídos de su pueblo, cuya historia se propuso plasmar en enormes y vívidos murales. Por otra parte, es indudable la influencia que sobre la visión del mundo del pintor tuvo la personalidad del político y filósofo mexicano José Vasconcelos.

En 1921, distanciado ya del cubismo y un poco del Partido Comunista  lo encontramos de nuevo en Ciudad de México iniciando la producción de sus primeros grandes murales. Ha encontrado un estilo propio y ha tomado de la pintura popular esa exquisita forma de mezclar los colores de manera espontánea y autóctona.

Hacia 1946, pintó una de sus obras más importantes, Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central en el entonces recién construido Hotel del Prado de la Ciudad de México. También integra junto con José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, la comisión de Pintura Mural del Instituto Nacional de Bellas Artes.[]

En 1950 ilustró Canto General de Pablo Neruda y ganó el Premio Nacional de Ciencias y Arte de México. En 1952 realizó el mural denominado "La Universidad, la familia mexicana, la paz y la juventud deportista" del Estadio Olímpico Universitario(UNAM), en la ciudad de México y en 1955 ante la muerte de Frida Kahlo en junio del año anterior, se casó con Emma Hurtado y viajó a la Unión Soviética  para ser intervenido quirúrgicamente. Falleció el 24 de noviembrede 1957 en Coyoacán, Ciudad de México y sus restos fueron colocados en la Rotonda de las Personas Ilustres, contraviniendo su última voluntad.

Imagen: "The Flower vendor (Girl with Lilies)" by Diego Rivera. Tomada de Flickr

 

 

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08/12/2009 12:24 Jorge Gómez A #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

REMBRANDT: ESPLENDOR Y OCASO DEL BARROCO

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"Ningún artista combinó nunca tan delicada habilidad con tanta energía y poder" (Diccionario biográfico Chambers)

 "Su tratamiento de la humanidad rebosa de simpatía" (J. O. Thorne)

 Rembrandt Harmenszoon van Rijn, pintor barroco holandés, nace en Leiden el 15 de julio de 1606.

 En 1621 abandona los estudios universitarios e inicia su aprendizaje artístico en su ciudad natal con un oscuro pintor llamado Jacob van Swanenburgh, en cuyo taller estuvo tres años.Entre 1624 y 1625 continuó su aprendizaje en Amsterdam, esta vez en el taller de un pintor de mayor relieve, Pieter Lastman, de quien toma la influencia de Caravaggio

Luego se hace notable por sus retratos en los que el pintor pone toda su atención, captando el alma del retratado y los preciosistas detalles de los vestidos, aumentando así su fama y su fortuna. En 1632 realiza una de sus obras más famosas, "La lección de anatomía del doctor Tulp", que tuvo enorme éxito.

 La década de 1630 será de notable éxito para el pintor, con obras de temática religiosa como "El sacrificio de Isaac" o "El banquete nupcial de Sansón", excelentes paisajes o magníficos autorretratos. Sin embargo, 1642 no será de buen recuerdo para Rembrandt ya que muere Saskia - algunos meses después de dar a luz al único hijo que les sobrevive, Titus - y su cuadro "La ronda de noche" recibe una gélida acogida por parte de la crítica. A partir de ese momento, la ordenada y exitosa vida de Rembrandt sufre duros embates tanto económicos como sentimentales.

 A pesar de estos lamentables episodios, el arte de Rembrandt avanza, abandona la exuberancia barroca pero se enriquece con un colorido vibrante y un enorme interés por el detalle, creando nuevas iconografías adecuadas a la mentalidad protestante como "La cena de Emaús" o "Cristo y la adúltera". Los encargos vuelven a aparecer en la década de 1660, destacando "La lección de anatomía del doctor Deyman", "Los síndicos del gremio de los pañeros" o "La novia judía". En todos ellos encontramos esa "manera áspera" que caracteriza sus últimas décadas, en la que la pincelada larga, empastada, será la principal protagonista, sin menospreciar el papel de la luz dorada, con la que consigue crear efectos atmosféricos de calidad insuperable, tomando como referencias a la Escuela veneciana y Tiziano.

 

En un principio siguió a el Caravaggio que era gran maestro

de la técnica del claroscuro, a Rubens por su brillosidad

y colorido vigoroso y a Tiziano por la forma libre

de utilizar el pincel.
Ya a los 25, Rembrandt aplica en sus obras

un estilo personal revolucionario que se aleja

 de la forma suave de pintar de los maestros

 holandeses contemporáneos y se sumerge

en la técnica de los maestros italianos. Su

pincelada gruesa, a veces sobrecargada

 de pintura, agrega a sus obras una

 textura inédita hasta ese momento.

 En vez de reflejar con exactitud las

escenas, Rembrandt se inclina por

retratar sugestivamente lo que ven

sus ojos. Por otra parte, sin haber

conocido Italia, aplica el estilo de

pintar de los venecianos, que muestra

un entorno obscuro para terminar

con máximo fulgor en la imagen.
En esa época los colores apropiados

para una pintura eran limitados

por los estándares académicos,

sin embargo Rembrandt innovó

con nuevos extremos de colorido

y a la vez logró un equlibrio exhuberante

 entre esos extremos.
Su técnica de aplicación de capas, desde el

 fondo hacia adelante, con una

transición imperceptible de colores

 y tonos (esfumado), lo situan

 entre los capaces de dar transparencia

 con la calidad que lo hacen Leonardo y Miguel Ángel 

 

 Rembrandt fallece en Amsterdam el 4 de octubre de 1669 a la edad de 63 años, siendo uno de los más innovadores y excepcionales artistas de todos los tiempos.

 

http://es.wikipedia.org/wiki/Rembrandt

http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/3104.htm

Para apreciar la pintura de Rembrandt, ir a:

http://pintura.aut.org/BU04?Autnum=11.151

 

 

 

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En el universo de Aparicio no hay prisas...

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Guadalupe Aparicio

Una de sus obras: "Piedra sobre piedra"

Un artista netamente americano

Guadalupe Aparicio, proviene de una familia netamente americana, arraigada en Bolivia desde la época de la colonia. Sus padres eran oriundos de Tarija. Desde allí la familia se desplazo al noroeste argentino, al pueblo de Tilcara, en la provincia de Jujuy, donde nace el pintor en 1934.Realizo sus estudios de artes plásticas en la Universidad Nacional de Tucumán. Vivió en la provincia de Santiago del Estero (1971-1980), luego en Buenos Aires, donde crea un importante Centro Cultural (“Centro Cultural de la Ribera”) Actualmente reside en la provincia de Jujuy.

http://www.michiaparicio.com.ar/

 

 

23/09/2009 13:37 Griselda N.Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Pinceladas de vida...

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“Son dos extraños fósiles,/emisarios sombríos de una fauna sepultada en un bosque de carbón,/que vienen a reclamar un óbolo de luz para sus muertos?//¿Son ídolos de piedra,/cascotes desprendidos del obraje de los más tristes sueños?/¿O son moldes de hierro/para fraguar los pasos a imagen del martirio y a semejanza de la penitencia?//Son tus viejos botines, infortunado Vincent,/hechos a la medida de tu abismo interior, como las ortopedias del exilio;/dos lonjas de tormento curtidas por el betún de la pobreza,/embalsamadas por lloviznas agrias,/con unos lazos sueltos que solamente trenzan el desamparo con la soledad,/pero con duros contrafuertes para que sea exiguo el juego del destino,/para que te acorrale contra el muro la ronda de los cuervos.//(…) Botines de trinchera, inermes en la batalla del vendaval y el alma:/…han caído en la trampa de tu hoguera oculta bajo el incendio de los campos/sin encontrar jamás una salida,/por más que pisoteen esas flores fanáticas que zumban como abejorros amarillos…”

Lo que Olga Orozco muestra de Van Gogh es cómo éste transformó cada objeto que pintaba y lo adaptó “a la medida” de su “abismo interior”.

 

27/03/2009 07:28 Griselda N.Zabala #. PINTURA, DIBUJOS Hay 1 comentario.

Pintura peruana

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EMILIO TURPO CAHUI

 

 

Nacido en el departamento de Puno.                                
Egresado de la Escuela Nacional de                       
Bellas Artes del Perú en 1988, en el Primer Puesto (Dibujo).                               
Sus obras se encuentran en poder de principales coleccionistas a nivel nacional e internacional.
Cuenta con 2 bibliografías PINTURA Y PINTORES DEL PERU y otro. AND PAINTERS         
En 1996 fue declarado el vendedor del año por la Galería de Arte 715 (Carta de Felicitación).                                                                      
Cuenta con 16 exposiciones individuales y numerosas exposiciones colectivas.                      
En la actualidad sigue con su producción artística.

 

http://www.emilioturpo.com/

 

30/01/2009 16:34 Griselda N.Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

El pintor de las mujeres morenas...

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Julio Romero de Torres pintó con preferencia figuras femeninas.  Aquellas mujeres morenas de  misteriosa y profunda mirada  produjeron un cierto escándalo en su época, debido a la pretendida carga erótica que ofrecía su semidesnudez. 

Julio Romero de Torres (9 de noviembre de 1874 - † 10 de mayo de 1930) fue un pintor español. Nació y murió en Córdoba, donde pasó gran parte de su vida.

Para conocer más acerca de este pintor:

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/romero_de_torres.htm

Imagen: "La chiquita piconera" (Su última obra)

Para ver toda su obra visitar:

http://pintura.aut.org/BIJ04?Autnum=11633&Empnum=0$Inicio=46

 

12/07/2008 19:14 Griselda N.Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Pintura colombiana:Expresionismo romantico

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ALEJANDRO OBREGON

(Barcelona, España, 1920 - Cartagena, Colombia, 1992) Pintor colombiano. Su familia se trasladó definitivamente a Barranquilla cuando el futuro pintor había cumplido dieciséis años. Con toda seguridad, el cambio de cultura, de ciudad y de ambiente impresionaron al adolescente, en especial el exuberante trópico, con su luz radiante y aire de libertad. Aprendió entonces a comer pescado con ñame, sancocho de sábalo, a fumar Pielroja (cigarrillo que fumó hasta su muerte) y a tomar ron blanco.

Su Obra:

Desde hace ya más de tres décadas, Alejandro Obregón es, por derecho propio, referencia obligada en el universo del arte latinoamericano. Personalidad íntegra de recio y vigoroso temperamento, anticonvencional e individualista a ultranza, supo labrarse un sendero muy suyo y una trayectoria original en el campo de la creación plástica. Autodidacta intuitivo, huérfano de verdadera escuela y maestro, se constituyó pronto —por extraña paradoja— en guía y mentor de numerosas generaciones de artistas en su país. Sus innovadores aportes en el lenguaje pictórico provocaron, en el anquilosado universo cultural colombiano, una auténtica subversión de los valores estéticos, al tiempo que produjeron el impulso modélico necesario para que otros se aventurasen en experiencias desconocidas y en derroteros sin desbrozar. Con sus novedosas propuestas esté-ticas, estilísticas y conceptuales, Obregón llegó —contra su voluntad y para su consternación— a generar incluso una larga cohorte de epígonos e imitadores.

Interesa destacar que Obregón conquistó su lenguaje singular con recursos puramente pictóricos, sin subterfugios ni interferencias de otros materiales, técnicas o géneros: simples pinceles y pigmentos convencionales fueron suficientes para un talento natural tan vivaz e intuitivo como el suyo.

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/o/obregon.htm

Imagen: Agua Calida del maestro Obregon (Bellísimo)

22/04/2008 15:36 Griselda Zabala #. PINTURA, DIBUJOS Hay 2 comentarios.

Hector Rojas Herazo

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El maestro (1921-2002)
 
Nacido en Tolú en 1921, a los ochenta y un años la edad en que muere, Héctor Rojas Herazo era uno de los

clásicos de la cultura colombiana y uno de los más grandes escritores de América Latina. Era, también uno de

los creadores artísticos más valorados por las generaciones del país, y su obra era y es objeto de decenas de

artículos y comentarios tanto en publicaciones nacionales como en centros académicos internacionales. Su

obra narrativa que articula conexiones esenciales con su poesía y su periodismo - se inicia a principios de los

años sesenta con "Respirando el verano", su primera novela.
Cuando Hector Rojas Herazo, pintaba, siempre lograba la alegría. Cantaba, oía música y era feliz creando su

mítografia, que eran las vendedoras y decía que eran las "reinas de una altísima comarca"; los peces; los

gaiteros; los gallos y todo lo que había detectado en su niñez. Por eso decía muchas veces que él quería

detener el recuerdo".
Seguía la máxima de Leonardo Da Vincci: "Sabiéndote efímero trabaja como si fueras a ser eterno; y en cuanto

a la perfección no te preocupes, pues ésa no la alcanzaras nunca".
Su pintura es personalísima pues creó un grupo de personajes que él admiraba y con los que siempre se

identificó formando una vasta y enérgica pintura.
El no pintaba para ser famoso, él pintaba para realzar los recuerdos, que al quedar plasmados en un lienzo casi

se vuelven los recuerdos de cualquier ser humano que sé acerca a mirar el mundo a través de la pintura. De él

habló, el crítico de arte y escritor español Félix Grande y dijo en su ensayo sobre Rojas Herazo: "Es la materia

pariendo a la energía; cuando uno se acerca a una vendedora o a un gallo parece que va a recibir un lametazo

de sangre debido a la intensidad con que están pintado estos cuadros".
Fue muy reconocido y apreciado en España. Los críticos como el gran poeta Luis Rosales gran amigo de

Federico García Lorca quiso mucho a Rojas Herazo fueron grandes amigos y escribió acerca de mi padre " la

pintura de Rojas Herazo es una pintura enraizada y caliente; dura mas no agresiva, con una luz de plano único

que baña los objetos y en el tratamiento de la figura humana le da carácter alucinatorio".
Insistía en sus figuras por que pretendía una depuración de los temas tratados. Algunos se repiten pero siguen

siendo diferentes; hay otros nuevos que se instalan por la insistencia del artesano. Él decía, que era un humilde

artesano, que quien le enseñaba día a día era la materia. ''Apenas se sabe algo de algo se acaba el asombro''.
Pintar para él fue algo "biológico como respirar o caminar" esto lo decía cuando dibujaba los burritos que

pastaban en la plaza del pueblo, el campanario, los barcos y los pájaros o se entretenía tratando de reproducir

fielmente algunas estampas de la historia sagrada.

                                                                                                      PATRICIA ROJAS BARBOZA. (Su Hija)


Comentarios de Mario Escobar Velásquez

Para el maestro Rojas Herazo, tanto la pintura como la literatura son mucho taller, mucha física. "Le agrada el

taller porque da humildad y de la buena. Humildad para conocer sus propios límites y saber cuando algo va bien

encaminado.
Siempre conoció su propio ritmo y su propia tarea, para lo cual proponía un gran comienzo": "No hay maestro

más fiel y más afectivo que un aprendiz entusiasta".
Decía que esto era una lección de humildad, porque Leonardo era un genio humilde y la humildad de Rojas

Herazo sale a flote cuando al referirse a su estudio aclaró: "No es un estudio. Solo un cuartico donde pinto y

escribo".
Respecto a esta simbiosis artística escribir-pintar-escribir, Rojas Herazo confesó: "Lo necesito de manera

biológica y fatalmente. Me he preguntado en profundidad, si yo podría vivir sin esto, sin alimentarme de ambas

cosas, y siempre me he respondido negativamente".

Imagen: "Mielera en el crepúsculo" H.R.Herazo

09/04/2008 13:17 Griselda Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

La obra de Rodin

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Estatua en bronce de 1,98 m x 1,29 m x 1,34 m, existen, al menos, 20 copias autorizadas por el autor. Localización  actual, Museu Rodin de París. El Pensador se ha convertido en un símbolo de la modernidad que expresa la condición humana y encarna la complejidad e intensidad de sentimientos y emociones de la persona.
 

Más de August Rodin: 

www.liceus.com/cgi-bin/gba/pensador.asp

 

07/03/2008 08:00 Griselda N.Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

De Toulouse Lautrec, de Pablo Neruda

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De   TOULOUSE- LAUTREC

Pintura: "Toillete"

Biografía:

Pintor neoimpresionista francés, fue uno de los artistas especializado en representar la temática de la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX. Nacido en  una de las familias aristocráticas más importantes de Francia. Siendo adolescente se rompió las dos piernas y, a causa de una enfermedad congénita que le provocaba falta de calcio, durante el resto de su vida conservó un torso normal pero las piernas no le crecieron. . Toulouse Lautrec frecuentaba cabarets del distrito parisiense de Montmartre, como el Moulin Rouge, y atrajo con su ingenio y locuacidad a un nutrido grupo de artistas e intelectuales entre los que se encontraban el escritor irlandés Oscar Wilde, el pintor holandés Vincent van Gogh y el cantante francés Yvette Guilbert. Visitó también con asiduidad el teatro, el circo y los burdeles. Los recuerdos e impresiones que sacaba de estos lugares y de sus personajes más destacados los plasmó con gran maestría en retratos y bocetos de sorprendente fuerza y originalidad. Podemos citar como ejemplo: La Goulue entrando en el Moulin Rouge (1892, Museo Toulouse-Lautrec, Albi), Jane Avril entrando en el Moulin Rouge (1892, Courtland Gallery, Londres) y En el salón de la calle des Moulins (1894, Museo Toulouse-Lautrec). Su vida fué desordenada, su alcoholismo y un ataque de parálisis le llevaron a abandonar su estudio para refugiarse con su madre en el castillo de Malromé, propiedad de la familia, donde falleció. Toulouse-Lautrec fue un artista muy prolífico. Realizó gran número de óleos, dibujos, aguafuertes, litografías y pósters o carteles, así como también ilustraciones para varios periódicos de entonces. Muchas de sus obras se conservan en el Museo Toulouse-Lautrec en Albi. A su peculiar y personal estilo incorporó elementos de otros artistas de la época, especialmente de los pintores franceses Edgar Degas y Paul Gauguin. El arte japonés, de moda en París por aquellos años, ejerció también su influencia en Toulouse-Lautrec, con sus contornos fuertemente marcados, su composición asimétrica y la utilización de manchas de colores planos.  

De  PABLO NERUDA

SIEMPRE

Antes de mí
no tengo celos.
.
Ven con un hombre
a la espalda,
ven con cien hombres en tu cabellera,
ven con mil hombres entre tu pecho
y tus pies,
ven como un río
lleno de ahogados
que encuentra el mar furioso,
la espuma eterna, el tiempo!
"Tráelos todos
adonde yo te espero:
siempre estaremos solos,
siempre estaremos tú y yo
solos sobre la tierra
para comenzar la vida!.

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23/02/2008 12:19 Griselda Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Pinturas del alto Renacimiento

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Estigmatización  de San Francisco (Giotto)

El  naturismo de Giotto en el fresco "La Estigmatización de San Francisco" (Louvre, Paris)

supone una ruptura con la afectación del estilo gótico y sienta las bases de la pintura

renacentista.

Por contraste, unos cien años antes que los hermanos Limbourg, el pintor italiano Giotto

había conferido a la figura humana un tamaño y dignidad monumentales, haciéndola

protagonista de la historia. Con su obra revolucionó la pintura italiana, y sus descubrimientos,

junto con los de otros artistas, terminaron por influir en la pintura del norte. En la capilla de la

Arena, en Padua, se conservan los soberbios frescos pintados por Giotto, entre 1305 y 1306,

sobre la vida de Jesús y de la Virgen. El artista pintó también retablos de madera de gran formato,

como otros muchos pintores del fin de la época medieval.

24/01/2008 15:33 Miguel Etchenique #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

UN SUEÑO LLAMADO DALÍ

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Tal vez Sigmund Freud nunca imaginó que toda su teoría sobre el subconciente y los sueños pudiera ser llevada al mundo de la plástica. Y, ante todo, de una manera colorida, vistosa y extravagante como lo hizo Salvador Dalí. Dalí, quien hizo de su bigote su propio icono, logró –después de trasegar por diferentes vertiente del arte como el naturalismo, el cubismo y el futurismo– afirmarse quizás como el más notable representante del surrealismo, así los gestores de este movimiento hayan tildado alguna vez sus técnicas de ultrarretrógradas y académicas.

No cabe duda, sin embargo, que Dalí es un fiel representante del movimiento surrealista tal como lo definió André Breton en el Primer Manifiesto Surrealista de 1924: “Automatismo psíquico puro, por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón.

Usando una técnica que él mismo denominó “crítico-paranoica”, Salvador Dalí empleó estéticamente las experiencias visionarias, las reinterpretaciones de la memoria y las deformaciones psicológicas y hasta patológicas para trasladarlas a la pintura y la escultura y darles un nuevo sentido. Y, según expresan muchos comentaristas “ha sido el único artista que ha sabido captar, desde los complejos freudianos hasta la fisión de la materia, la trascendente aventura de nuestro mundo atormentado.“

Salvador Dalí nació en suelo español en Figueras (Gerona) en mayo de 1904 y allí mismo pasó sus últimos días hasta su muerte en enero de 1989, después de haber residido por mucho tiempo en París y en Nueva York. Fue un pintor, escultor, diseñador, escritor y cineasta.

Entre sus obras màs notables, destacan: El hombre invisible (1929), La persistencia de la memoria (1931), La tentación de San Antonio1946), Leda atómica (1949), Descubrimiento de América (1955), La Última Cena (1955) (

Fuentes: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/dali.htm

http://www.moma.org/collection/browseresults.php?objectid=79018

http://es.wikipedia.org/wiki/SalvadorDal%C3%AD

Imagen: Persistencia de la memoria. Museo de Nueva York.

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24/12/2007 11:46 Jorge Gómez A. #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Elegías a Gala

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Fuente de vida

de noches sin mañanas

yo puedo llegar al sentidor

donde he visto súbitamente

la imagen tan amada

que llevaba grabada

en el fondo de mis entrañas.

.

Yo sé donde está

el pan de vida

tan blanco es

que cerrando los ojos

lo continuo a ver por transparencia

pan de vida

yo sé donde está el horno

en las llamas del cual

he visto prefigurada

la imagen tan amada

de Gala tan amada

horno que las toténicas guirnaldas

le sirven de adorno.

.

Yo sé donde está en el fondo de la tierra

el bloque de mármol

donde está contenida

la imagen de Gala tan amada.

Cuatro elementos obsesionan mi Gala

aire, agua, fuego y tierra,

que corresponden a mi Gala

que conocí antes de nacer.

.

¡Aire, aire!, es el que respiro

de noche y de día.

Veo sin cesar la imagen de mi Gala tan amada

el recuerdo de mi Gala tan amada

donde respiro sin cesar

de noche y de día

¡El aire, el aire!

de mi gala tan amada.

.

En el fondo sin mañanas

el agua se vierte sin fin

en el sentido del jardín

donde he visto detalladamente

el rostro de mi Gala

tan poco amada.

Salvador Dalí


 

23/12/2007 07:45 Griselda Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Pintores Colombianos

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 Jeroglificos (Año 2000)

Alberto Nuño:Pintor y Escultor Colombiano

En su arte podemos apreciar la cultura precolombina, expresada simbólicamente, su paleta es intensa consiguiendo de ese modo una riqueza profunda en su obra.

Son dignos de mencionar también: Germán Tesorolo, un exquisito pintor, que expresa su arte con figuras etéreas, como queriendo plasmar la esencia en vez de la apariencia...Y por último, Camilo Medina, paisajista de exquisito pincel y paleta, que plasma la naturaleza en sus cuadros, de una manera muy especial.

Para más información visitar:

http://encolombia.com/cultura/galeriadearte.htm

 

08/12/2007 21:10 Griselda Zabala #. PINTURA, DIBUJOS Hay 1 comentario.

PINTORA EXPRESIONISTA COLOMBIANA

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Débora Arango

(1907-2005)

Pintora expresionista colombiana , hija de Castor Maria Dias y de Elvira Pérez.

Sus estudios, fueron todos relacionados a las artes plásticas.Tanto en institutos de Medellin, como en la Escuela Nacional de Bellas Artes, también en la Ciudad de Mexico DF y en el Technical College of leading (LOndres).

Esta pintora colombiana, antioqueña, fue transgresora, de hecho, fue la primer mujer de Colombia que se atrevió a pintar desnudos, prostitutas, borrachos, como retratando algunas postales diarias que nadie quiere mirar. También retrato a sus padres, hizo bodegones y otros temas también,poblaron sus pinturas. Fué premiada por su labor, en reiteradas oportunidades...; Mucho se ha escrito y se escribirá de ella..., ella dejó sus obras para que las disfrutemos.

Una de las páginas web: http://es.wikipedia.org/wiki/Dé;;;boraArango

Pintura : Denominada "Autoretrato con mi padre"

24/11/2007 21:27 Griselda Zabala #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

PINTURAS DEL ALMA

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Mar, yo soñaba ser como tú eres,

Allá en las tardes que la vida mía

Bajo las horas cálidas se abría...

Ah, yo soñaba ser como tú eres.

Alfonsina Storni

Fragmentos de la poesía "Frente al Mar"

Pintura: Nilca-Tortuguitas-Bs.As.-Argentina

22/11/2007 17:25 Contertulios #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

Y ELLA ESPERA...

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Dibujo inspirado en la poesía de Alfonsina Storni:

"... Mi corazón está tan castigado...

Si un día entre tus brazos se me aquieta,

tú que tienes instinto de poeta,

Ponme sobre las sienes muchas rosas

con tus manos delgadas y nerviosas,

Las sentiré caer como un suspiro...

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16/11/2007 13:13 Contertulios #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

ALGUNAS OBRAS DE MONET

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13/11/2007 07:53 Contertulios #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.

CLAUDE MONET-BREVE RESEÑA DE SU VIDA Y OBRA

Claude Monet (1840-1926)

Pintor impresionista, francés, notable paisajista.

Nace en Paris el 14/11/1840, en la Rue Laffitte. Contemporáneo de Cezanne y Renoir, entre otros. Compartieron en la pintura francesa el nacer del impresionismo.

Pierde al padre prematuramente, entonces la hermanastra de aquel, pasa tomar un papel muy importante en su vida artística.

Creció junto al mar, poco dedicado a los estudios, más bien le gustaba vagar contemplando la naturaleza.

Monet comienza su vida artística cultivando la caricatura.En 1855, a los 15 años goza ya de buena reputación como caricaturista en El Havre.

Ese gusto por la libertad y la naturaleza tienen mucho que ver con Eugene Baudin (hermanastra de su padre). Monet primero se mostró contrario a las marinas pero luego ese estilo lo caracterizó.

Luego una nueva tragedia llega a su vida en 1857 muere su madre.

En 1858 participa por primera vez en la Exposition Municipale du Havre, con el cuadro titulado "Vue prisé a Rauelles", fechado en ese mismo año. En 1860 se interesa por conocer el ambiente artístico de Paris.

Se relaciona con Baudin y luego alejandose de la enseñanza oficial, deposita la confianza de su aprendisaje, en Jongkind, quien lo educa en su percepción visual.

Se casa con Camille.

Hace viajes, vive guerras, conflictos políticos...Mucho más se puede escribir de este artista, pero citemos algunas de sus obras:

  • Mujeres en el jardín (1867)
  • Puente sobre el Sena (1874)
  • Crepúsculo sobre el Sena (1880)
  • El jardin de Giverny (1900)

...Para terminar este artículo, el 05/12/1926, su vida termina, justamente en Giverny a los 86 años de edad...

 

11/11/2007 16:36 Contertulios #. PINTURA, DIBUJOS Hay 4 comentarios.

LOS COLORES DEL ALMA...

EN ESTE ESPACIO...

...Nos vamos a expresar a través de los trazos, pinceladas, colores..., aquellos que no somos portadores de una pluma voladora, escribiente ella, de los más hermosos versos. Más también desde nuestro corazón, como esos poetas, contaremos historias con distintos tintes y sensaciones.

Para dar comienzo al libre albeldrío de nuestros sentimientos, citemos dos Sonetos de la Cantata "A la pintura...", de Rafael Alberti (16/12/1902-28/12/1999), escritor y artista plástico, español, nombrado también como escritor de "la generación del 27".

Keiichi Nishimura Cranes Over Moon Print   "A LA PERSPECTIVA"

A tí, engaño ideal, por quien la vista

anhela hundirse, prolongada en mano,

yendo de lo cercano a lo lejano

del hondo azul al pálido amatista.

A tí, sin fin, profundidad, conquista,

de la espaciada atmósfera en lo plano,

por quien al fondo del balcón cercano

decides que la mar lejana exista.

A tí, aumento, valor de los valores,

vaga disminución de los colores,

música celestial, arquitectura.

Los ámbitos en ti fundan su planta.

La línea con el numero te canta.

A tí, vida y timón de la Pintura.

" AL PINCEL"

A tí, vara de música rectora,

concertante del mar que te abre el lino,

silencioso, empapado peregrino

de la noche, el crepúsculo y la aurora.

A tí, caricia que el color colora,

fino estilete en el operar fino,

escoba barredora del camino,

que te ensancha, te oprime y te aminora.

A tí, espiga en invierno y en verano,

cabeceante al soplo de la mano,

brasa de sombra o yerta quemadura.

La obstinación en ti se resplandece.

Tu vida es tallo que sin tierra crece.

A tí, esbelto albañil de la Pintura.

Rafael Alberti

07/11/2007 22:11 Contertulios #. PINTURA, DIBUJOS No hay comentarios. Comentar.